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domingo, 10 de noviembre de 2019

Lope de Vega y los guanches. El Poeta Viana

Nos encontramos en la España del Siglo de Oro. Un joven tinerfeño, natural de San Cristóbal de la Laguna, se licencia en medicina en la ciudad de Sevilla el año 1606. Sería en esa época donde conocería a un grande; el Fénix de los Ingenios en persona; al magnífico Lope de Vega con el que trabaría cierta amistad. En aquella época, Lope ya era muy reconocido por sus versos y obras de teatro, mientras aquel lagunero quería abrise un camino también en el mundo de las letras (aparte del de la medicina). Su nombre era Antonio de Viana, aunque muchos lo conocerían simplemente como el poeta Viana. 


Resulta que dos años antes de licenciarse, Viana escribió y publicó un poema compuesto en verso suelto y en octavas reales "Las Antigüedades de las Islas Afortunadas de Gran Canaria. Conquista de Tenerife. Y aparescimiento de la Ymagen de Candelaria" dedicado (como su nombre indica) a una parte importante en la historia de las Islas como fue la conquista, aparte de la aparición sobre la misma época de la Virgen de Candelaria a los guanches. 
Lope debio quedar tan fascinado por la obra de Viana que escribió una obra teatral (le habían pedido por encargo) basada en la misma, que tardaría en elaborarla entre 1604 a 1618: "Los guanches de Tenerife y conquista de Canaria". 
La comedia tiene una estructura clásica en tres actos, situándose la acción en Tenerife a finales del Siglo XV, momento de la conquista de la isla:
  • Primer acto: Exaltación del Adelantado Fernández de Lugo y los conquistadores castellanos en un drama que realza la dignidad hispánica a través de los amores de la Princesa Dácil y el Capitán Castillo. Conviene aclarar que en toda la obra hay una dicotomía entre el honor castellano frente a los guanches a los que minusvalora, dandole la categoria de salvajes incivilizados (el pensamiento de Lope coincide con el de su época).
  • Segundo acto: Vida guanche frente a la honorable vida de los castellanos. Divergencia ente el barbarismo de los autoctonos de Tenerife frente a la cristianidad de los conquistadores.
  • Tercer acto: Aparición de la Virgen de Candelaria. Exaltación de lo religioso frente a lo profano, preparando su culminación con el regreso de los castellanos, la victoria de los conquistadores, el ofrecimiento de Nivaria (como los antiguos llamaban a Tenerife) y las demás Islas de Canaria a los Reyes Católicos y la materialización del compromiso y el enlace entre honorables soldados europeos e indígenas de noble cuna.
La visión que tiene Lope de los guanches (pastores sin ambición que viven en la barbarie) era exactamente la que se tenía en la época, muy alejada del concepto de "buen salvaje" que se le dio mucho después no sólo a los indigenas canarios, sino a los de América. Ni tanto, ni tan poco. Lo cierto es que las visiones cambian con el tiempo y esta obra, muy poco conocida de Lope, lo demuestra. 


En cuanto al Poeta Viana, a partir de 1607 prestó sus servicios al Cabildo de Tenerife con el objetivo de atender de los enfermos del hospital. Posteriormente ocupó en Sevilla la plaza de médico cirujano del Hospital del Cardenal, obteniendo gran fama entre sus contemporáneos, algo que hizo que los tinerfeños intentaran convencerle (con exito) de que volviera a su isla. En 1633 se trasladó a Las Palmas, ejerciendo su profesión, llegando a ser médico del obispo Murga... y todo eso, mientras seguia con su faceta de poeta e historiador, llegando a influir ni más, ni menos que en don José de Viera y Clavijo. Se desconoce el año de su fallecimiento, pero se cree que murió sobre la década de los 50 del Siglo XVII.

domingo, 20 de octubre de 2019

Angela Lansbury es actuación

La primera vez que ví a Angela Lansbury no fue en el cine, sino en la televisión, gracias a la serie "Se ha escrito un Crimen" donde ella era la suprema protagonista con esta serie de suspense que alcanzó un gran exito en todo el mundo sobre una escritora viuda que resolvía crimenes. La primera vez que la ví en una película fue más o menos por la época y gracias a Disney con "La Bruja Novata" junto al reconocido actor inglés David Tomlinson.


La vida inicial de Angela en el cine se circunscribió a actriz de reparto, aunque con notables papeles. Ella, británica de nacimiento, comenzó su carrera en los Estados Unidos por casualidad. Fue en 1939 cuando su hermanastra Isolde Denham (que, por cierto, era hija del actor y director teatral y de cine Reginald Denham) se casaba con Peter Ustinov (sobran las presentaciones), su madre tramitó en plena fiesta de bodas la posibilidad de abandonar el Reino Unido por la Segunda Guerra Mundial,. En 1941 su madre Moyna (que era una actriz de origen irlandes), Angela y sus dos hermanos mellizos nacidos en 1930) se instalaron en el país. Ella tenía 16 años. 


Hizo varios papeles de reparto, pero su papel estelar, aunque fuera de reparto, lo tenemos en  la magnífica "Luz que Agoniza", extraordinaria cinta de suspense de George Cukor con un reparto estelar (Ingrid Bergman, que ganó su primer Oscar, Charles Boyer y Joseph Cotten) interpretando a una arisca ama de llaves, por la que consiguió su primera nominación al Oscar de Reparto. Al año siguiente repetiría nominación al ponerse en la piel de una joven actriz que se suicidaba tras abandonarla Dorian Gray en "El retrato de Dorian Gray", basada en la reconocida novela de Oscar Wilde, donde también trabajó su madre. 


Interpretaciones destacadas fueron "Sansón y Dalila" (interpretando a la hermana de Dalila), "Una Calle sin Salida", "El Largo y Calido Verano" e incluso incluso hacía de madre de Elvis en "Amor en Hawai".

Con Orson Welles

Tras dejar la Metro en 1952, interpretando siempre papeles secundarios, su interpretación en la (terrible) cinta "El Mensajero del Miedo" de 1962 le otorgó el aplauso de todos con una extraordinaria interpreación.. Su papel protagonico en el musical "Mame" de 1966 la convirtió  en un icono gay. Ya en aquella época también hizo muchísimo teatro con obras como "Sweeney Todd". Lansbury ha sido toda una institución de los musicales, ganando hasta 5 Premios Tony, triundando en Broadway. 

Con sus hijos

En 1978 reverdeció laureles en la gran pan pantalla al encarnar a Salomé Otterbourne en Muerte en el Nilo, protagonizada por su ex cuñado Peter Ustinov, David Niven, Bette Davis y Maggie Smith, rodada en Egipto y por la que fue nominada a los Premios BAFTA. 


Ya en el 82 comenzó a ser actriz de voz, aunque su papel más destacado lo tenemos en "La Bella y la Bestia", haciendo de la señora Potts, en una de las mejores películas de animación de la historia, que fue nominada al Oscar a la Mejor Película. En septiembre de 2013 (año en que actuaba en la versión teatral de "Paseando a Miss Daisy"), la Junta de Gobernadores de la Academia de Hollywood le concedió el Oscar Honorífico en honor a sus trayectorias en el mundo del cine, rindiendo "tributo a individuos que han hecho contribuciones indelebles en sus respectivos campos".


No obstante, Angela es mucho más que cine. Ha actuado en cine, series, teatro, musicales y ha sido actriz de voz. Una todoterreno de la actuación, que pasó de ser una simple secundaria a una de las grandes actrices, reconocidas como todo y es que Angela Lansbury es actuación.

Tributo


Se ha escritó un crimen (1984-1996)


Bella y Bestia son

sábado, 7 de septiembre de 2019

Rompiendo la cuarta pared

Una de las cosas que más gracia me hizo fue que, cuando alquile "Deadpool" vi que en la contraportada del disco venía aquello de que "rompe la cuarta pared". Muchas criticas la alababan precisamente por ello y, de hecho, pones Deadpool en Google y una de las frases de búsqueda que te sale es "Deadpool rompe la cuarta pared". Es verdad que dicha película rompe la cuarta pared, pero es que hoy en día hay muchas series o películas que rompen la cuarta pared. Dicho de otra forma: no es algo tan extraordinario. Pero, antes de nada, ¿qué es la cuarta pared?


Esta expresión viene del hermano mayor del cine: el teatro. La primera, segunda y tercera pared serían si tomanos como referencia un escenario la paredes laterales y la pared del fondo, desde el punto de vista del público. La cuarta pared sería aquella "pared imaginaria" que separa al espectador de los actores (o viceversa). Dicho en palabras de Denis Diderot, escritor y filosofo francés del Siglo XVIII, en su "Discurso sobre la poesía dramática": "Imaginad justo al borde del teatro un gran muro que os separa del escenario: interpretad como si la tela no se levantara".


Sería precisamente el teatro el que romperia esa pared imaginaria (la cuarta pared) cuando a un personaje determinado se le ocurría mirar de forma descarada al público, dirigirse a éste o incluso hablar o interactuar con él, pidiendole que hiciera algo. Un ejemplo clásico lo tenemos en la versión teatralizada de "Peter Pan" donde se pide a los espectadores que aplaudan para salvar a Campanilla.

Una mirada a la cámara

Como pueden ver no es un concepto reciente, pero teniendo en cuenta que las primeras películas o imágenes en movimiento son del Siglo XIX si lo es para el cine o las series. Dejando de lado, las malas (o no tan malas) películas donde un actor o un extra mira de forma más o menos involuntaria la cámara, son muchas las películas o series donde el actor mira fijamente a la cámara como si estuviera viendo al telespectador en ese mismo momento o incluso habla con ese supuesto "mirón". Esto va más allá de la narración de una simple historia, tenemos que ver literalmente al personaje dirigirse al público, haciendo referencia de una forma más o menos velada a él (hablando con él) o mirándole a los ojos, bien por algo que le sorprende o incluso en señal de complicidad. 


Hay películas tanto adultas ("El Club de la Lucha", "Annie Hall", "Amelie", "Psicosis" y "Funny Games" entre muchas otras) como infantiles ("El Rey León" por ejemplo), así como series animadas ("Looney Tunes") y no animadas que romen la cuarta pared. Una serie que lo hacía continuamente de forma muy llamativa era "El Príncipe de Bel Air". Así que siendo un recurso curioso, no es precisamente algo nuevo, pero si una forma de actuar que hay que tener muy en cuenta. 

Ejemplos
Annie Hall


Superman: La Película


Amelie

sábado, 13 de julio de 2019

Jimena: Anillos para una Dama

Hace tiempo tuve el placer de hacerme con un pequeño libro sobre una obra de teatro "Anillos para una Dama" de Antonio Gala.El protagonista es y no es el Cid. 


Me explico: nos hayamos en el Reino de Valencia dos años después de la muerte del Campeador. En una Valencia asediada por los musulmanes se nos presenta a doña Jimena, la amante viuda de Rodrigo, y su sobrino político (y sobrino carnal de su difunto marido) Minaya, los cuales están enamorados y, de hecho, quisieran casarse, pero hay una figura que sin estar físicamente entre los dos, se interpone entre ellos: la grandiosa figura del Cid Campeador.

El autor 

Entre el plano histórico y personal/romántico, hay que mencionar que Gala escribió esta obra a finales de la dictadura, concretamente en 1973 y es por eso que quiso darle un significado asociado a esa época. Doña Jimena representaría al pueblo español que sueña con abrazarse a la Libertad simbolizada en Minaya, pero por un tema moral, miedos y circunstancias diversas hay algo intangible que se lo impide. No puede caminar sola porque hasta la fecha se lo ha impedido la figura del Cid, que en este caso representaría a la dictadura misma, la cual ha hecho todo por ella, incluido el simple hecho de pensar por si misma. 


Evidentemente ese simbolismo estaba oculto y por eso se pudo estrenar con gran éxito en el Teatro Eslava de Madrid el 28 de Septiembre de 1973, con dirección de José Luis Alonso, contando con María Asquerino (Jimena), José Bódalo (Alfonso VI) y Armando Calvo (Minaya).

jueves, 28 de febrero de 2019

¡Cuídado con el amarillo!

Sin lugar a dudas el amarillo es un color maldito para usar sobre las tablas y, de hecho, hay mucha gente (yo entre ellos) que no le guarda mucha simpatía al color, pero... ¿A qué se debe el "malditismo" de dicho color para aquellos actores que se suben a las tablas?


La "culpa" la tiene aquel gran dramaturgo y actor que vino al mundo bajo el nombre de Jean-Baptiste Poquelin, pero que todos conocemos como "Molière". Resulta que cuando interpretó la que sería su última obra de teatro "El Enfermo Imaginario" (¡Magnífica!) tuvo fuertes ataques de tos y convulsiones debido a la tuberculosis que padecía. Pocos días después, el dramaturgo falleció en su casa. Se dice que cuando le dio el ataque que le llevó a la tumba, "Moliére" vestía de amarillo y es por eso que desde entonces es un color prohibido en el teatro, ya que se "llevó" a uno de los más altos representantes de la interpretación sobre las tablas. 


Una curiosidad: debido la ley francesa vigente aquellos años (Siglo XVII), no estaba permitido que los actores fueran enterrados en tierra sagrada, pero la viuda de pidió al Rey Luis XIV que su marido pudiera tener acceso a un funeral por la noche. El Rey Sol no sólo accedió, sino que "Molière", al que el Rey admiraba, fue enterrado en la parte del cementerio destinada a los Infantes no bautizados.

domingo, 3 de febrero de 2019

"Mucha mierda"

¿Cuál es el origen de la expresión "mucha mierda" para desear suerte y éxito en el teatro? Es evidente que resulta llamativo para los profanos el hecho de utilizar elemento tan escatológico para precisamente desear suerte. 


Su origen temporal no lo tenemos claro. Unos hablan de la Edad Media; otros retrasan su origen al Siglo de Oro español en pleno Renacimiento. Lo cierto es que ya fuesen obras itinerantes o simples corrales de comedia, tantos ricos como pobres solían ir en caballo para ver las representaciones, animales los cuales iban ciertamente flojos de vientre. Por lo que si había muchas heces en las calzadas, era debido a que habían muchos caballos y, por lo tanto, mucha gente estaba viendo la representación. Poco a poco la expresión de "mucha mierda" para desear suerte en el teatro y que muchas personas fueran a ver la representación (cuanta más mierda; más gente), se convirtió en habitual hasta nuestros días. 
Eso es en el mundo hispánico porque hay otras muchisimo peores:  "Toi toi toi", hals und Beinbruch!" (en alemán: "¡Rómpete el cuello y la pierna!") y "Break a leg!" (en inglés: "¡Rómpete una pierna!") son unos ejemplos.