Los Simpsons: sin Blanca Navidad

Cuando era pequeño Antena 3 solía dar este episodio de los Simpsons en Nochebuena y es que podríamos calificarlo como uno de los más recordados de la serie y no sólo por ser navideño, sino por ser el primer episodio de la serie. 

Era un riesgo. Los productores no sabían cómo iba a reaccionar el público. Hasta la fecha, Los Simpsons eran una pequeña sección de unos pocos minutos de "El Show de Tracey Ullman" y con estilo de animación bastante tosco (por decirlo finamente), por lo que era un riesgo cambiarlo a un formato de 20 minutos y ya con un dibujo mucho más depurado, aunque sin llegar ni a la excelencia o la gracia de unos años después.

El argumento era simple, pero efectivo. Por diversas razones, Homer no puede cobrar la paga extra de Navidad, pero tiene fé en tener unas navidades medio decente gracias a los ahorros de Marge. Sin embargo, tienen que utilizar dichos ahorros para que le quiten un tatuaje a Bart, por lo que Marge confía en que apurar la paga extra de Homer para las fechas navideñas. Sin contarle nada a la familia, Homer hará todo lo posible para obtener dinero para esas navidades, incluso empleándose como Santa Claus.

Estrenado el 17 de Diciembre, este episodio tuvo un éxito tremendo (fue visto por 13 millones de personas en su estreno) hasta el punto de ser nominado a varios premios Emmy. A partir de ahí nacería los Simpsons con sus clásicos episodios de 20 minutos y añadiendosele más y más personajes. 

En España se titula "Sin Blanca Navidad", mientras en Latinoamérica se titula "Especial Navideño de los Simpsons". El título original es "Simpsons Roasting on an Open Fire: The Simpson's Christmas Special" ("Los Simpson se asan al fuego: el especial de Navidad de Los Simpson" en inglés), haciendo referencia a "The Christmas Song", canción navideña estadounidense conocida como "Chestnuts Roasting on an Open Fire" ("castañas asadas a fuego abierto" en inglés), que es la estrofa inicial de dicha canción.

Mortadelo y Filemón muy animados

En una época donde la casi única diversión que tenían los niños, Mortadelo y Filemón fueron un soplo de aire fresco en el humor y no es extraño que junto a los Zipi y Zape y "El Capitán Trueno" se convirtieran en referencia y buque insignia de Bruguera. 

Tampoco es raro que se proyectase una serie de dibujos animados a mediados de los años 60. Entre 1965 y 1970 se realizaron una serie de cortometrajes sobre Mortadelo y Filemón, producidos por los Estudios Vara y dirigidos por su propio fundador Rafael Vara, el cual había comenzado como caricaturista. 

La intención de los animadores era crear una serie de televisión, pero no tenían la capacidad de realizar tantos episodios como les exigía el medio, por lo que, tras llegar a un acuerdo con Bruguera (la cual tenía los derechos de imagen sobre todos sus personajes), los 16 cortometrajes que se crearon se dividieron en tres películas: Festival de Mortadelo y Filemón (dos títulos) y El Armario del Tiempo. Sin contar con la colaboración de Ibañez, tienen una duración aproximada de 6 minutos, sin basarse en una historia concreta, están basadas en sus andanzas como Agencia de información con una animación bastante buena para la época y algunos gags parecidos a la de las historietas.

En 1994, la BRB Internacional de Claudio Biern Boyd para Antena 3 creó la serie de Mortadelo y Filemón con la que yo crecí y que en este caso sí que está basada en varias de sus historias ya como agentes especiales, por lo que aparecen el Súper, la Ofelia y el Profesor Bacterio.

Su primer capítulo (de los 26 que tiene) fue emitido en 1995, con un humor evidentemente cercano a los de las historietas, pero una animación llamativamente inferior a la calidad de los originales (se hizo en China para literalmente ahorrar costes), aunque en general está muy bien. 

Intro Vara 1965-1970

Intro BRB 1995

Pequeño, un borrico por Navidad

Maravillosa y emocionante historia y me atrevería a decir que sorprendente. Literalmente fue la última producción de Disney en la que intervinó Don Bluth (y la única de Disney que produjó y dirigió) antes de abandonar la compañia y, de hecho, podemos decir que fue su canto de cisne a la hora de un futuro prometedor. El título original de esta joya es "The Small One", mientras en hispanoamerica recibió el título de "Pequeño, un Cuento de Navidad" y en España el de "Un Borrico por Navidad". 

Un niño tiene que vender a su mejor amigo (con todo el dolor de su corazón) porque ya está demasiado viejo. Éste es su simpatico burrito Pequeño. Para ello van a la ciudad, siendo la condición del niño que el futuro dueño del burrito lo trate con cariño. Por eso no es de extrañar que escapara de un curtidor que lo quería para sacarle la piel al pobre animal. 

Lo peor es cuando es ridiculizado por un vendedor de caballos, el cual se rie del pobre burrito al que se monta, riendose de él. El niño replica con enfado a ser tan desagradable, diciendole que su querido amigo era digno para estar en la caballerizas de un Rey (frase muy relevante para lo que sería el final). El burrito saca fuerzas para librarse del vendedor, dandole una coz tremenda y huyendo niño y él. 

El niño no encuentran alguien honesto que pueda ser dueño de su querido Pequeño, llega la noche y... se encuentra con José, un hombre que quiere comprárselo, para llevar a su esposa a Belén, diciendo que lo tratara con mucha consideración y cariño. El niño y el burrito se despiden; ambos con una sonrisa. Lo que no saben, tanto el niño como el burrito, es que Pequeño terminará siendo elegido para una misión muy especial: llevar a la Virgen María a Belén para el nacimiento del niño Jesús; el nacimiento de un Rey.

Hace poco pude verla nuevamente después de muchisimo tiempo (desde la niñez para ser concreto) y sinceramernte volvi a experimentar la emoción de principio a fin no ya sólo por el argumento o la fantastica y realista animación, sino por una banda sonora extraordinariamente inspiradora. Una maravilla para el legado de Walt Disney (en una época precisamente no muy buena para la compañia, que, sin embargo, sacaba de vez en cuando algún corto magnífico. Ejemplo: Cuento de Navidad) y de un Don Bluth, que cuatro años después nos sorprendería con "NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby".

La voz de las malas

Si les hablo de Eleanor Audley quizás no les suene mucho, pero... si les digo que es la voz detrás de malas tan malas (horribles diría yo) como Lady Tremaine, la madrastra de Cenicienta, y Maléfica, la cosa cambia y mucho. 

Nacida el 19 de Noviembre de 1905, Eleanor tuvo algo de trascendencia en la televisión y radio estadounidense, aunque si por algo destacó fue por su voz distintiva, que la hacía unica y lo que la llevó a dar sus cuerdas vocales a malvadas (ojo: no como Ariel a Ursula), las cuales se encuentran precisamente entre lo peor de los peor de los villanos Disney.

Y es que uno oye a esos dos bichos con la voz original, la de Eleanor, y se le pone la piel de gallina. No fue su único trabajo para Disney: en 1969, Audley hizo la voz de Madame Leota, el espiritu-médium de la bola de cristal en la atracción de Disney de la Mansión Encantada. Una anécdota: Para "La Cenicienta" y "La Bella Durmiente" los animadores Frank Thomas y Marc Davis diseñaron las características y expresiones faciales de las villanas para que fueran muy similares a los de Audley, siendo la modelo (se puede ver especialmente por la forma de las cejas), lo cual demuestra que estabamos literalmente ante Eleanor. También cabe señalar que Audley había rechazado inicialmente el papel de Maléfica debido a que en ese momento estaba luchando contra la tuberculosis.

Quizás la labor de Eleanor para la compañia Disney hizo que sus otros trabajos no fueran tan valorados al menos de forma general, algo que es una pena, pero comprensible dado lo bien que lo hizo como esas dos villanas.

Eleanor Audley, la voz de dos malas Disney muy malas, falleció a los 86 años, por insuficiencia respiratoria, en North Hollywood, California en Noviembre de 1991 y está enterrada en el cementerio de Hollywood. Sin ella, sería imposible valorar dos películas Disney tan emblematicas.

Recreo en la escuela de la calle tercera

Esta serie podemos decir que fue una de las muchas que marcó mi infancia. Emitida en España por los programas Disney (Club Disney y demás), el título original era Recess (Recreo en inglés), pero en mi país (tan listos que somos) se tituló La Banda del Patio, aunque en este caso no iba mal desencaminado.

Todo tiene lugar en la escuela de la calle Tercera donde el patio del recreo sintetiza un poco (más o menos) la etapa adulta, pasando por tener un Rey o incluso mostrarnos a los parvulos como salvajes (literalmente hablando). En el recreo nos centramos en un grupo que podríamos decir que repite unos tropos que fueron muy característicos en los años 80 y 90, pero con curiosidades: Vince (el deportista), Mikey (el glotón de buen corazón que además es poeta), Spinelli (la chica dura), Gretchen (la niña inteligente), Gus (el timido) y T. J. Detweiler (el lider de la banda y el que en más líos se mete).

Juntos veremos infinidad de aventuras, a veces ciertamente exagerada por la mentalidad infantil que lo lleva al máximo:  buscar una pelota que el propio Gus lanzó en el "jardín sin retorno", T. J. teniendo que pasar unos días sin recreo por una lesión en el aula 51 donde se hallan los "caras pálidas" (o los chicos nerds que han rechazado salir al patio), cuando Gus tiene que hacer frente a un matón, un capítulo que refleja una cierta critica a la masificación de los colegios y sobre todo muchos con la amistad como telón de fondo (¿cuál es el mejor amigo de T. J?, la amistad frente a un tesoro o si es más importante la competitividad que la propia amistad).

Para ello se "enfrentan" con personajes variopintos algunos de los cuales reflejan a la sociedad tales como el club de Ashleys, cuatro niñas pijas cuyo nombre es Ashley a las que casi nadie soporta (en un capítulo se supo que el primer nombre de Spinelli es Ashley), el chivato Randall, fiel escudero de la señorita Finster, una maestra bastante mayor con muy mala leche, los excavadores (siempre excavando), la chica al revés (siempre colgada al reves), la chica columpiadora (siempre columpiandose), Butch (un chico con una raya blanca en su pelo que siempre cuenta historias bastante truculentas que supuestamente han pasado en el patio del recreo) o Lawson, un niño de quinto curso, el cual es rival de Vince y T. J., por no hablar de la señorita Grotkey, la maestra de cuarto curso y de la propia banda del patio, una mujer pacífista y antinuclearista, el director Prickly y Menlo, un niño que trabaja en la escuela, ayudando a la señorita Lemon, la secretaria del director.

La serie fue emitida desde 1997 a 2001, teniendo hasta 6 temporadas. En mi caso, refleja un poco un sentir nostálgico muy fuerte. Para quien quiera saber cómo era, en YouTube hay varios capítulos, los cuales duran poco más de 10 minutos. Muy recomendable.

Todos quieren ir a la House of Mouse

Sería a mediados Siglo XX y principios del XXI cuando Disney relanzó a sus clásicos personajes como Mickey Mouse, Donald, Goofy y demás con nuevos cortos, aprovechándose de la época de bonanza de los años 90. Fruto de eso llegaría la House of Mouse. 

Ésta fue una serie emitida entre 2001 y 2003, que por en España emitió primero la primera y después Disney Channel, en el que Mickey es el anfitrión y maestro de ceremonias de un club llamado House of Mouse (conocida como La casa del ratón en América Latina) donde los personajes de las películas de Disney (¡todos reunidos! desde Blancanieves siguiendo a la Sirenita o el Rey León) se reunen para divertirse en un gran espectáculo con magia y alegría, aderezado con una serie de cortos protagonizados precisamente por los Mickey, Donald, Minnie y compañía, en su mayoría elaborados durante esos años. 

Ni que decir que el aliciente de ver a todos los personajes Disney juntos es uno de los muchos alicientes que tiene una serie que estoy seguro que ni el propio Walt Disney soñó en el más extraordinario de sus sueños.

Los años "oscuros" de Disney

Si bien todo el mundo se pone de acuerdo en que la segunda etapa dorada de Disney comenzó en 1989 (con excepciones) con "La Sirenita", donde no hay tanto consenso es cuándo comenzó lo que muchos han dado en denominar los años oscuros de Disney en referencia a que sus cintas o sus producciones no alcanzaron el éxito esperado o que su calidad en cuanto a la animación y argumento no era la misma. Algunos dicen que comenzó con la muerte del propio Walt en 1966 cuando se estaba produciendo "El Libro de la Selva"; otros lo posponen a partir de "Los Aristogatos" en 1970. 

Cabe resaltar que en lo que podríamos considerar la primera época dorada de Disney también hubo sonoros fracasos en cuanto a taquilla de los que hoy consideramos clásicos tales como "Pinocho" o "La Cenicienta". ¿Por qué? Porque antes la animación era muy costosa, cantidad de animadores trabajaban a destajo, junto a los respectivos guionistas y, aunque la taquilla fuese no ya aceptable, sino muy buena, era un hecho claro que la productora tendría perdidas dado las elevadas cifras de dinero para producir. Cuando hablamos de la edad "oscura" de Disney (o la etapa de bronce) nos referimos a unos años donde la calidad no era la misma e incluso la gente perdió el interés en sus películas simplemente porque el argumento no les convencía y se alejaba mucho de los canones marcados antes de los 60, aparte de haber otros competidores en el mercado. 

La muerte de Walt fue un duro mazazo

En cuanto a la animación podemos ver como hay escenas recicladas de "El Libro de la Selva" (recordemos: 1966) en "Robin Hood" (1973) y su trazo no era tan elegante como en cintas anteriores, algo que parece comenzó con "101 Dalmatas".

Después de la muerte de Walt y Roy O. Disney (éste último en 1971), The Walt Disney Studios estuvo en manos de Donn Tatum, la primera persona no relacionada familiarmente con los Disney en llevar la compañia, algo que pudo influir en los diferentes cambios que se dieron en las películas. Paradojicamente, hoy en día, hay películas que sin estar en mi TOP 10 de películas Disney, son muy buenas y tienen gran predicamento entre muchos: el mencionado "Robin Hood" (a pesar del reciclaje en la animación), "Los Rescatadores" y su secuela (la primera de la historia de Disney) "Los Rescatadores en Cangurolandia" o "La Bruja Novata", película con actores reales protagonizada por Angela Lansbury y David Tomlinson (el inolvidable señor Banks de "Mary Poppins").

Un golpe especialmente duro para la compañía tuvo lugar durante la producción de "Tod y Toby" (otro clásico de esa época "no tan buena" de Disney) cuando el animador Don Bluth (una de sus grandes figuras) dejó Disney en 1981 para comenzar su propio estudio rival, Don Bluth Productions, llevándose a once animadores de Disney con él (entre ellos Gary Goldman, quien se había convertido en su mejor amigo, y al artista John Pomeroy), algo que retraso la propia producción de la mencionada "Tod y Toby". Para colmo, Bluth sacó en 1982 la maravillosa "NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby" (cinta de aventuras tremendamente oscura) por lo que se ponía en cabeza y ese sólo sería el comienzo. Bluth había formado parte del equipo de animación en el diseño de personajes en Robin Hood", el cortometraje "Winnie Pooh y Tigger También" (1974), "Los Rescatadores" y "Pedro y el Dragón Elliot" (1977). Su último trabajo con Disney fue el extraordinario cortometraje "Un Borrico por Navidad" (1978).

¿Amigos o rivales?

Después llegó (entre otras) "Taron y el Caldero Mágico", mágica aventura medieval de corte fantástico (y terrorífico), la cual fue un rotundo fracaso, que, sin embargo, ha cogido cierto enganche como cinta de culto, probablemente por parte de personas interesadas en cintas de corte fantástico relacionadas con "El Señor de los Anillos". 

El futuro del departamento de animación estaba en peligro. Entonces, viendo la posibilidad de la pequeña pantalla, la compañía fundó una división de animación de televisión (Disney Television Animation), la cual era algo mucho más que la animación tradicional. Con el objetivo de salvar lo que él cree que es la actividad principal del estudio, Roy E. Disney, sobrino de Walt e hijo de Roy, convenció a Michael Eisner, director ejecutivo de la compañia, para que le permitiera supervisar el departamento de animación con la esperanza de mejorar la suerte perdida. Entonces llegó "Basil, el Ratón Superdetective" (1986), cinta basada en las historias de Sherlock Holmes, pero con ratones (de hecho el nombre Basil es una referencia a uno de los reconocidos interpretes de Holmes en el cine, Basil Rathbone), que como algunas de esa época no está nada mal y es relativamente alabada hoy en día, pero fue superada en éxito y criticas por "Fievel y el Nuevo Mundo" de Bluth. Sin embargo, eso no quiere decir que no tuviera éxito y, de hecho (de ahí la excepción a la que hice referencia al principio de este post), hay gente que asegura que, a partir de ahí, comenzó a cambiar la suerte de Disney, la cual hasta entonces sólo vivía del parque de atracciones en Orlando y sus viejas glorias animadas y no animadas.

En 1988, Disney colaboró con Steven Spielberg, para producir "¿Quién engañó a Roger Rabbit?", un híbrido de acción en vivo/animación que contó con personajes animados de distintos estudios de animación, pudiendo por primera (y única) vez en pantalla a Mickey Mouse y Bugs Bunny o al pato Donald  y al pato Lucas. La película fue un éxito comercial y crítica, ganando tres premios de la Academia por sus logros tecnológicos, renovando el interés por los clásicos dibujos animados. Aparte de la propia película, el propio Spielberg ayudó a Disney a producir tres cortos de Roger Rabbit. 

Tras "Oliver y su Pandilla" llegaría el éxito animado de "La Sirenita", basada en el clásico cuento de Hans Christian Andersen, el cual ya había sido una idea que había rondado la cabeza de Walt en los años 30 junto a otros personajes clásicos de los cuentos europeos para hacer cortometrajes basados en ellos. La idea fue desechada debido a la dificultad que presentaba adaptar "La Reina de las Nieves". 

Fue el equipo de producción de lo que sería "La Sirenita" quien encontró casualmente las hojas con la historia original e ilustraciones hechas por Kay Nielson para el corto concebido en aquellos lejanos años 30 por el propio Walt Disney. De esa manera, sus directores, Ron Clements y John Musker, se pondrían manos a la obra, volviendo a los clásicos cuentos de hadas con la que Disney se había hecho tan famosa (el último había sido "La Bella Durmiente" en 1959) con canciones pegadizas, personajes extraordinarios y una historia romántica, obteniendo dos premios Óscar en las categorías de Mejor Banda Sonora" (grandes Alan Menken y Howard Ashman) así como de Mejor Canción Original ("Bajo el Mar"), además de un Globo de oro como Mejor Banda Sonora. 

Comenzaba la etapa del renacimiento de Disney, que muchos niños de la epoca vivimos y disfrutamos, con obras maravillosas como "La Bella y la Bestia" (primera película animada en ser nominada al Oscar a la Mejor Película), "Aladdin" y "El Rey León" entre otras.

Quijote y Sancho

Mucho antes de que leyera la primera y segunda parte del Quijote... ví la serie de dibujos "Don Quijote de la Mancha", un primer contacto con el loco más conocido de la literatura universal. 

La emisión de dicha seríe data de 1978 y, teniendo en cuenta que nací varios años después, lo que ví fue la reposición de la misma, lo cual denota hasta que punto fue muy popular y no sólo en España. También se emitió en países de América Latina, Asía y Europa.

La serie consistía en el propio Cervantes narrandonos la historia para a continuación dar paso a los personajes. Por supuesto era una historia muy resumida de la monumental obra del manco de Lepanto (39 capítulos de unos 26 minutos de duración), pero como ya comenté fue la primera toma de contacto con las aventuras (o desventuras más bien) del caballero de la triste figura.

Más allá de la animación (que estaba bien hecha), destaca por tener ni más ni menos que a Fernando Fernán Gómez dandole voz a Alonso Quijano/Quijote y a Antonio Ferrandis que daba voz Sancho Panza, por no hablar de la melodía, que se convirtió literalmente en una banda sonora más de mi infancia (y la de muchos).

Inicios Disney

Los grandes finales dejan un buen sabor de boca (ya sean felices e incluso tristes si están bien relatados), pero en mi opinión tanto en un libro como una película u obra de teatro son los buenos principios los que pueden llevar a definir una obra. Es verdad que hay películas con principios impresionantes y finales desastrosos (o viceversa), pero es en su inicio donde el director o guionista (o un escritor) puede hacer que nos enganchemos a determinada obra.

En el caso de las películas Disney es destacable la gran cantidad de inicios maravillosos, que nos transportan a un mundo de fantasía donde todo (o casí todo) es posible. Los finales suelen ser de Happy Ending, pero los inicios suelen definir a sus películas. Algunos son extraordinarios no sólo desde un punto de vista musical o narrativo, sino visual.

Por eso he realizado una lista de los que, en mi opinión, son los mejores inicios de Disney. Aquellos que en muchos casos han definido a generaciones enteras.

Los mejores inicios Disney
1. La Bella y la Bestia

2. El Rey León

3. El Jorobado de Notre Dame

4. Aladdin

5. Toy Story

6. Hércules

7. Blancanieves y los Siete Enanitos

8. La Sirenita

9. La Bella Durmiente

10. Pinocho

Mis películas animadas NO Disney

Antes de nada decir que Disney desde mi punto de vista es la mejor compañia en cuanto a animación se refiere. Y aunque haya gente que tenga otra opinión respecto de ello, reconocera que es una compañia que ha hecho muchísimo por el cine animado y no para series o cortos de 10 o 15 mínutos, sino teniendo la "osadía" de hacer películas de 70 o 80 mínutos desde finales de los 30 con "Blancanieves y los Siete Enanitos", creando obras que son literalmente milagros animados... pero no sólo de Disney vive el hombre.

Todos los niños hemos visto películas que no necesariamente son Disney, las cuales son igualmente buenas porque en general no intentaron hacer una burda imitación de Disney (algo que no dejaba de ser una tentación en la que cayeron algunos), sino que rompieron reglas para hacer obras que literalmente están a un nivel parejo no sólo en cuanto a animación o canciones (si las tienen), sino en argumentos inteligentes, incluso con obras que algunos podrían calificar de oscuras (como "Nihm,  el Mundo Secreto de la Señora Brisby") o basadas en historias para adultos (como la adaptación de la historia bíblica del Génesis en "El Príncipe de Egipto"). Uno de los grandes de la animación NO Disney (y que paradojicamente comenzó en Disney) es el genio Don Bluth.

Don Bluth

Evidentemente no soy el primero que comentó esto, ni ha realizado una lista de las que (para el que escribe) son sus mejores películas animadas NO Disney. Imaginense si Disney es tan grande que hay listas por todo Internet donde se hace incapie en que las obras referidas no son de dicha compañia, pero eso no sólo de la más valor a la mencionada Disney, sino a las películas referidas en dicha lista. Algunas fueron tan exitosas que tuvieron secuelas (generalmente de calidad menor respecto de la original).

 

Comentar que para hacer esta lista no he puesto películas anime porque creó que eso requeriría otro post específico, ni tampoco he hecho referencia a películas en animación 3D. Estás obras marcaron mi infancía y como tal es una lista muy personal (OjO: no tienen porque ser clásicos inmortales, aunque muchos lo son), lo cual no quiere decir que el que lea esta entrada reconozca en alguna de ellas un pedacito de su niñez o juventud. 

Mis películas animadas NO Disney
1. El Príncipe de Egipto (Simon Wells, Steve Hickner y Brenda Chapman, 1998)

2. El Gigante de Hierro (Brad Bird, 1986)

3. NIMH, el Mundo Secreto de la Señora Brisby (Don Bluth, 1982)

4. Batman: La Máscara del Fantasma (Eric Radomski y Bruce W. Timm, 1993)

5. En Busca del Valle Encantado (Don Bluth, 1988)

6. Fievel y el Nuevo Mundo (Don Bluth, 1986)

7. FernGully: Las Aventuras de Zak y Crysta (Bill Kroyer, 1992)

8. Todos los Perros van al Cielo (Don Bluth, Gary Goldman y Dan Kuenster, 1989)

9. Anastasía (Don Bluth y Gary Goldman, 1997)

10. El Príncipe Cascanueces (Paul Schibli, 1990)

Cuento de Navidad (por Walt Disney)

Probablemente "Cuento de Navidad" de Charles Dickens es una de las novelas más versionadas de la historia. Hay de todo: dibujos animados, con actores, en 3D e incluso los Teleñecos hicieron su propia versión. Sin embargo, de todas las revisiones de este clásico de la literatura (unos memorables; otros no tanto) el primero que vi (siendo un niño, claro) fue "Cuento de Navidad" de Disney (que en los países de habla hispana se tituló "La Navidad de Mickey").

En una época donde Disney no estaba precisamente en sus mejores momentos (principios de los años 80), resulta curioso lo bien que hicieron para condensar en apenas 25 minutos una novela como la de Dickens que no es especialmente larga, pero que tiene un mensaje y lo supieron mostrar muy bien.

El argumento es de sobra conocido, pero resulta curioso ver a Gilito McPato interpretando al avaro Ebenezer Scrooge (¿Quién si no?), a Mickey haciendo de Bob Cratchit o a Donald del sobrino de Scrooge. Más llamativo es ver a Goofy como el fantasma del socio fallecido de Scrooge, Jacobo Marley (aunque sinceramente sigo sin verlo en el papel) o a los tres fantasmas que han de venir: el de la Navidad Pasada (Pepito Grillo), El de la Navidad Presente (el gigantón de Mickey y las Judías Mágicas) y el de la Navidad Futura (Pete). 

La historia es sumamente emocionante e inspiradora como deberían ser todas las que intentan revisar el clásico con el plus de que son los personajes de Disney, con muchos de los cuales nos hemos reído. ¿Acaso ustedes han visto soltar una lágrima de honda tristeza a Mickey Mouse? Pues lo hace ante el futuro alternativo que nos lo muestra en el cementerio llorando por el hijo perdido. ¡Debe ser una de las cosas más tristes que he visto!

La visión Disney de este clásico es maravillosa, inspiradora y altamente recomendable para ver en las fiestas Navideñas. No sólo por el argumento (de sobra conocido), sino por la animación y la extraordinaria puesta de los personajes más conocidos (y reconocidos) del Universo de Walt Disney. 

Parte 1

Parte 2

Parte 3

¡¡¡Campeones!!!

Voy a hacer referencia ahora sobre una de las series míticas de la televisión japonesa, que tuvo más que gran predicamento en España (hasta la veían los que no les gustaba el fútbol). Resulta que está basada en un manga llamado Capitán Tsubasa creado por el historietista Yōichi Takahashi en 1981, que enseguida tendría su serie de televisión del mismo nombre, pero que en Hispanoamérica se llamó Supercampeones y en España se tituló Campeones, pero la gente la conoció como Oliver y Benji por la sintonía inicial en el país.

La trama se centra en la relación de Oliver  Atom (Tsubasa Ozora en el original) con sus amigos, la rivalidad hacia sus oponentes, los entrenamientos y la competición, así como los acontecimientos en cada uno de los partidos que se juegan. 

Entre los personajes conocidos por todos, aparte del protagonista tenemos Benji Price, Bruce Baker, Julian Ross, Mark Lenders, Dani Melow y tantos otros, que hicieron soñar a más de uno con disparos imposibles en medios de campos kilométricos en partidos interminables donde el balón hacía giros extraños (e imposibles, claro), aparte de ese excesivo dramatismo en algunas escenas.

La serie tuvo diferentes etapas e incluso acabaron por nuevas series donde iban al Mundial. Lo curioso (aunque no es de extrañar) es que La Asociación japonesa apoyó el desarrollo de la serie porque vieron un gran potencial para crear aficionados al fútbol.

Más allá de lo expresado, la serie trata temas como el compañerismo, capacidad de superación e incluso sobreponerse a los malos resultados siempre si se tiene el tesón adecuado. Por eso son campeones. 

Intro japonesa

Intro española (Oliver y Benji)

Frío como el hielo

Hasta los años 90, el Señor Frío (Mister Freeze en español) no era más que un villano al estilo Dos Caras, el cual cometía delitos en relación a su dualidad. En el caso de Frío los cometía en relación al hielo o la nieve como su nombre indica. En ese sentido era un villano para el murciélago nada simple y con una mecánica muy clara. 

Sería a partir de la serie animada cuando todo cambió, dandosele un matiz trágico. El doctor Victor Fries, experto en criogenia, vio como su esposa Nora caía en un estado grave, producto de una enfermedad desconocida. Fries buscó trabajo en la compañía de Ferris Boyle con el objetivo de obtener dinero para salvar a su esposa.

Fries encontró la manera de dejar a Nora en un estado de criogenia, para que de esta manera tenga tiempo de encontrar la cura, pero Boyle no sólo no lo admitió (era su dinero), sino que en una lucha Fries entró en contacto con productos químicos, pudiendo sobrevivir, pero a temperaturas bajo cero. De esta forma Fries se va a vengar de Boyle, que para colmo va de humanitario de cara al público, teniendo que hacer frente al murciélago que se debate entre proteger a un ser tan infame como Boyle para que Fries, convertido en el Señor Frío, no consuma su venganza. 

Historia curiosa y bastante adulta (algo habitual en la serie) que nos pone de relieve ideas como la venganza o el Amor más allá de la muerte. Este episodio titulado como "Corazón de Hielo" es tan maravilloso que en 1993 ganó un Premio Emmy al mejor guion sobresaliente de un programa animado e incluso una película tan mala como "Batman y Robin" le dio el mismo transfondo a Frío. Si pueden ver el capítulo (así como la serie completa) es más que recomendable.