Los años "oscuros" de Disney

Si bien todo el mundo se pone de acuerdo en que la segunda etapa dorada de Disney comenzó en 1989 (con excepciones) con "La Sirenita", donde no hay tanto consenso es cuándo comenzó lo que muchos han dado en denominar los años oscuros de Disney en referencia a que sus cintas o sus producciones no alcanzaron el éxito esperado o que su calidad en cuanto a la animación y argumento no era la misma. Algunos dicen que comenzó con la muerte del propio Walt en 1966 cuando se estaba produciendo "El Libro de la Selva"; otros lo posponen a partir de "Los Aristogatos" en 1970. 

Cabe resaltar que en lo que podríamos considerar la primera época dorada de Disney también hubo sonoros fracasos en cuanto a taquilla de los que hoy consideramos clásicos tales como "Pinocho" o "La Cenicienta". ¿Por qué? Porque antes la animación era muy costosa, cantidad de animadores trabajaban a destajo, junto a los respectivos guionistas y, aunque la taquilla fuese no ya aceptable, sino muy buena, era un hecho claro que la productora tendría perdidas dado las elevadas cifras de dinero para producir. Cuando hablamos de la edad "oscura" de Disney (o la etapa de bronce) nos referimos a unos años donde la calidad no era la misma e incluso la gente perdió el interés en sus películas simplemente porque el argumento no les convencía y se alejaba mucho de los canones marcados antes de los 60, aparte de haber otros competidores en el mercado. 

La muerte de Walt fue un duro mazazo

En cuanto a la animación podemos ver como hay escenas recicladas de "El Libro de la Selva" (recordemos: 1966) en "Robin Hood" (1973) y su trazo no era tan elegante como en cintas anteriores, algo que parece comenzó con "101 Dalmatas".

Después de la muerte de Walt y Roy O. Disney (éste último en 1971), The Walt Disney Studios estuvo en manos de Donn Tatum, la primera persona no relacionada familiarmente con los Disney en llevar la compañia, algo que pudo influir en los diferentes cambios que se dieron en las películas. Paradojicamente, hoy en día, hay películas que sin estar en mi TOP 10 de películas Disney, son muy buenas y tienen gran predicamento entre muchos: el mencionado "Robin Hood" (a pesar del reciclaje en la animación), "Los Rescatadores" y su secuela (la primera de la historia de Disney) "Los Rescatadores en Cangurolandia" o "La Bruja Novata", película con actores reales protagonizada por Angela Lansbury y David Tomlinson (el inolvidable señor Banks de "Mary Poppins").

Un golpe especialmente duro para la compañía tuvo lugar durante la producción de "Tod y Toby" (otro clásico de esa época "no tan buena" de Disney) cuando el animador Don Bluth (una de sus grandes figuras) dejó Disney en 1981 para comenzar su propio estudio rival, Don Bluth Productions, llevándose a once animadores de Disney con él (entre ellos Gary Goldman, quien se había convertido en su mejor amigo, y al artista John Pomeroy), algo que retraso la propia producción de la mencionada "Tod y Toby". Para colmo, Bluth sacó en 1982 la maravillosa "NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby" (cinta de aventuras tremendamente oscura) por lo que se ponía en cabeza y ese sólo sería el comienzo. Bluth había formado parte del equipo de animación en el diseño de personajes en Robin Hood", el cortometraje "Winnie Pooh y Tigger También" (1974), "Los Rescatadores" y "Pedro y el Dragón Elliot" (1977). Su último trabajo con Disney fue el extraordinario cortometraje "Un Borrico por Navidad" (1978).

¿Amigos o rivales?

Después llegó (entre otras) "Taron y el Caldero Mágico", mágica aventura medieval de corte fantástico (y terrorífico), la cual fue un rotundo fracaso, que, sin embargo, ha cogido cierto enganche como cinta de culto, probablemente por parte de personas interesadas en cintas de corte fantástico relacionadas con "El Señor de los Anillos". 

El futuro del departamento de animación estaba en peligro. Entonces, viendo la posibilidad de la pequeña pantalla, la compañía fundó una división de animación de televisión (Disney Television Animation), la cual era algo mucho más que la animación tradicional. Con el objetivo de salvar lo que él cree que es la actividad principal del estudio, Roy E. Disney, sobrino de Walt e hijo de Roy, convenció a Michael Eisner, director ejecutivo de la compañia, para que le permitiera supervisar el departamento de animación con la esperanza de mejorar la suerte perdida. Entonces llegó "Basil, el Ratón Superdetective" (1986), cinta basada en las historias de Sherlock Holmes, pero con ratones (de hecho el nombre Basil es una referencia a uno de los reconocidos interpretes de Holmes en el cine, Basil Rathbone), que como algunas de esa época no está nada mal y es relativamente alabada hoy en día, pero fue superada en éxito y criticas por "Fievel y el Nuevo Mundo" de Bluth. Sin embargo, eso no quiere decir que no tuviera éxito y, de hecho (de ahí la excepción a la que hice referencia al principio de este post), hay gente que asegura que, a partir de ahí, comenzó a cambiar la suerte de Disney, la cual hasta entonces sólo vivía del parque de atracciones en Orlando y sus viejas glorias animadas y no animadas.

En 1988, Disney colaboró con Steven Spielberg, para producir "¿Quién engañó a Roger Rabbit?", un híbrido de acción en vivo/animación que contó con personajes animados de distintos estudios de animación, pudiendo por primera (y única) vez en pantalla a Mickey Mouse y Bugs Bunny o al pato Donald  y al pato Lucas. La película fue un éxito comercial y crítica, ganando tres premios de la Academia por sus logros tecnológicos, renovando el interés por los clásicos dibujos animados. Aparte de la propia película, el propio Spielberg ayudó a Disney a producir tres cortos de Roger Rabbit. 

Tras "Oliver y su Pandilla" llegaría el éxito animado de "La Sirenita", basada en el clásico cuento de Hans Christian Andersen, el cual ya había sido una idea que había rondado la cabeza de Walt en los años 30 junto a otros personajes clásicos de los cuentos europeos para hacer cortometrajes basados en ellos. La idea fue desechada debido a la dificultad que presentaba adaptar "La Reina de las Nieves". 

Fue el equipo de producción de lo que sería "La Sirenita" quien encontró casualmente las hojas con la historia original e ilustraciones hechas por Kay Nielson para el corto concebido en aquellos lejanos años 30 por el propio Walt Disney. De esa manera, sus directores, Ron Clements y John Musker, se pondrían manos a la obra, volviendo a los clásicos cuentos de hadas con la que Disney se había hecho tan famosa (el último había sido "La Bella Durmiente" en 1959) con canciones pegadizas, personajes extraordinarios y una historia romántica, obteniendo dos premios Óscar en las categorías de Mejor Banda Sonora" (grandes Alan Menken y Howard Ashman) así como de Mejor Canción Original ("Bajo el Mar"), además de un Globo de oro como Mejor Banda Sonora. 

Comenzaba la etapa del renacimiento de Disney, que muchos niños de la epoca vivimos y disfrutamos, con obras maravillosas como "La Bella y la Bestia" (primera película animada en ser nominada al Oscar a la Mejor Película), "Aladdin" y "El Rey León" entre otras.

El himno de Marquina

Antes del conocido himno con la letra de Pemán, oficial durante el franquismo, existió otra letra, quizás no tan conocida. El  denominado himno de Marquina, con letra de Eduardo Marquina, fue realizado con motivo de las bodas de plata (25 años) en el Trono del Rey Alfonso XIII.

Eduardo Marquina fue un poeta, novelista y dramaturgo de origen catalán (concretamente de Barcelona), el cual era un hombre que partió de postulados más izquierdistas a más conservadores, destacando por formar parte de la lirica, modernista y neorromántica con dramas históricos de corte poético.

Por otro lado, lo podemos contar entre la intelectualidad española de la época, siendo muy frecuente encontrarselo en tertulias con Miguel de Unamuno, Clarín, Benito Pérez Galdós o Federico García Lorca. En Madrid, residió en la calle del Barquillo, perteneciente al barrio de Chueca, creando además junto al escritor y periodista, Francisco Serrano Anguita, la Sociedad General de Autores. Marquina era sobrino del también poeta y dramaturgo Pedro Marquina y fue padre del cineasta Luis Marquina.

En cuando al himno fue muy alabado, aunque no alcanzó el grado de oficialidad que se merecía. De corte profundamente monárquico, con referencias expresas a la rojigualda, destaca por su lirismo en su contenido netamente metáforico. Su letra es la siguiente:

Gloria, gloria, corona de la Patria,
soberana luz
que es oro en tu pendón.
Vida, vida, futuro de la Patria,
que en tus ojos es
abierto corazón.

Púrpura y oro: bandera inmortal;
en tus colores, juntas,
carne y alma están.
Púrpura y oro: querer y lograr;
Tú eres, bandera, el signo del humano afán.

Gloria, gloria, corona de la Patria, soberana luz
que es oro en tu Pendón.
Púrpura y oro: bandera inmortal;
en tus colores, juntas,
carne y alma están.

Si Adelita se fuera con otro...

Es sin lugar a dudas uno de los temas más conocidos del acervo mejicano. Antes de nada decir que el hecho de que la mujer a la que se hace referencia en la canción se llame Adelita pudiese no tener nada de casual. Las adelitas (o soldaderas) eran mujeres que participaron de forma activa en la revolución mejicana (entre 1910 y 1917), estando en el frente como cualquier hombre, aunque también ejercieron como cocineras o enfermeras. Fruto de esa época revolucionaria pudo nacer la Adelita, tema que comienza con la conocida frase de "y si Adelita se fuera con otro...". También hay quien piensa que lo de Adelita era casual, atribuyendose su composición a Elías Cortázar Ramírez, capitán del ejército Constitucionalista Mejicano, que al enamorarse de una tampiqueña de nombre Adela, le escribió dicha canción.

La canción pertenece al género Corrido (género musical de Méjico propio de la narrativa popular, cuyos temas eran realizados para ser cantados, recitados o bailados), temas que se hicieron muy populares en la época de la revolución donde se hablaba no sólo de temas políticos, sino de asuntos tan dispares como la venganza o los desamores. 

El corrido era la forma en la que se informaba a la gente de los acontecimientos más importantes en ese momento. Una era la Adelita, de marcado acento militar, que cantaron (y siguen cantando) muchos, pero (con todos mis respetos) muy pocos como lo hizo el gran Jorge Negrete (¡esa voz!) precisamente en la canción titulada "Si Adelita se fuera con otro" del año 1948.

Vieja friendo huevos

En esta pintura, perteneciente al género del bodegón, podemos observar lo que seguramente sea una cocina, muy poco iluminada y en ella a una anciana con toca blanca cocinando un par de huevos, los cuales podemos ver en mitad del proceso de cocción flotando en líquido dentro de una cazuela de barro.

Uno de los cuadros de juventud del gran Velázquez (pintado sobre el año 1618), poco antes de su llegada a Madrid e incluso antes de su examen como pintor. Parece ser que a comienzos del Siglo XIX ya se hallaba en Inglaterra y actualmente se encuentra en  la Galería nacional de Escocia, en Edimburgo, desde el año 1955. Una simple vieja friendo unos huevos, pero pintada por uno de los más grandes de la historia del arte español. 

La conexión Gene Hackman

A Gene Hackman le pasó un poco lo de Dustin Hoffman. Su nombre completo es Eugene Allen Hackman y, aunque estudió periodismo, si por algo nos es conocido antes de su vida interpretativa es por su servicio en los marines donde sirvió durante tres años como operador de radio en China (hasta el triunfo de la revolución comunista en 1949). Fue ya cumplidos los 30 cuando decidió cambiar su rumbo e ingresar en la escuela de interpretación Pasadena Playhouse en Los Ángeles donde coincidiria precisamente con Hoffman, forjando una gran amistad (no sabemos si por afinidad, lo cual es más probable, o por el hecho de que fueran unas jovenes promesas que en realidad no eran tan jovenes). Lo cierto es que para todos, el ex-marine Eugene Allen Hackman pasaría a sernos conocido como Gene Hackman. 

Su primera película reconocida fue "Lilith" (con Warren Beatty, Jean Seberg y Peter Fonda), pero su primer trabajo importante sería en el drama basado en los dos criminales "Bonnie & Clyde" donde hacía del hermano de Clyde Barrow interpretado por Warren Beatty). A partir de ahí llegaría el exito. 

Obras impersionantes le destacaron como un auténtico tipo duro tales como "El Descenso de la Muerte", "La Noche se Mueve" (magnífica cinta neo noir con una jovencísima Melanie Griffith), "La Conversación" de Coppola (extraordinaria cinta sobre las escuchas) y muy especialmente "The French Connection (Contra el imperio de la droga)" y su secuela, haciendo de Popeye Doyle en su lucha contra un enemigo tan peligroso como el traficante francés Alain Charnier (intepretado por Fernando Rey). Por la primera consiguió el Oscar al Mejor Actor, el Globo de Oro al Mejor Actor en un drama y el BAFTA al mejor actor. Mención aparte de esos años, merece su divertidisima actuación haciendo de anacoreta ciego en "El Jovencito Frankenstein".

Un policia muy duro

Por lo que lo conocimos muchos (antes de ver esas fenomenales películas) es por las películas de Superman donde participaron actores del calibre de Marlon Brando o Glenn Ford y donde Hackman hacía de un Lex Luthor distinto que, si bien sigue siendo un hombre avido de poder y que quiere destruir a Superman, también destaca por un punto de comedia que lo hizo diferente a otras adaptaciones del famoso villano DC.

A finales de los años 1980, ya se había convertido en un gran actor, muy respetado por la profesión y por el público. Destacable fue su maravillosa actuación en el clásico western crepuscular de Eastwood "Sin Perdón", haciendo del cinico Sheriff Little Bill Daggett por el que recibió el Oscar al Mejor Actor de Reparto. Desde ese momento, ha actuado (espaciando más en el tiempo sus interpretaciones) en obras de suspense o thriller.

De hecho, él mismo confirmó que dejaba su actividad actoral para dedicarse a escribir. Una pena, pero también es verdad que se lo merece en tanto en cuanto nos ha hecho disfrutar con gran cantidad de películas. Uno de los más grandes del cine reciente. 

Jimena: Anillos para una Dama

Hace tiempo tuve el placer de hacerme con un pequeño libro sobre una obra de teatro "Anillos para una Dama" de Antonio Gala.El protagonista es y no es el Cid. 

Me explico: nos hayamos en el Reino de Valencia dos años después de la muerte del Campeador. En una Valencia asediada por los musulmanes se nos presenta a doña Jimena, la amante viuda de Rodrigo, y su sobrino político (y sobrino carnal de su difunto marido) Minaya, los cuales están enamorados y, de hecho, quisieran casarse, pero hay una figura que sin estar físicamente entre los dos, se interpone entre ellos: la grandiosa figura del Cid Campeador.

El autor 

Entre el plano histórico y personal/romántico, hay que mencionar que Gala escribió esta obra a finales de la dictadura, concretamente en 1973 y es por eso que quiso darle un significado asociado a esa época. Doña Jimena representaría al pueblo español que sueña con abrazarse a la Libertad simbolizada en Minaya, pero por un tema moral, miedos y circunstancias diversas hay algo intangible que se lo impide. No puede caminar sola porque hasta la fecha se lo ha impedido la figura del Cid, que en este caso representaría a la dictadura misma, la cual ha hecho todo por ella, incluido el simple hecho de pensar por si misma. 

Evidentemente ese simbolismo estaba oculto y por eso se pudo estrenar con gran éxito en el Teatro Eslava de Madrid el 28 de Septiembre de 1973, con dirección de José Luis Alonso, contando con María Asquerino (Jimena), José Bódalo (Alfonso VI) y Armando Calvo (Minaya).

El Amor prohíbido de Benito Pérez Galdós

"¿Por qué si el Amor es lo contrario a la guerra es una guerra en sí?"

 Benito Pérez Galdós

Galdós es por derecho propio uno de los referentes en cuanto a la palabra escrita se refiere. Muchas de sus obras contienen nombre de mujer: Tristana, Fortunata y Jacinta, doña Perfecta y eso sin contar obras que tienen como protagonistas absolutas a mujeres como Misericordia, Miau, ... pero poco o nada en claro se nos ha puesto en relación a su trato personal con el sexo opuesto. Gran amigo de Emilia Pardo Bazán a la que iba a visitar en su cautivadora Galicia (y con la que parece tuvo una relación), de él se da la gran paradoja que era un mujeriego a la par que tímido. Antes de que fuera el gran escritor que todos conocemos, tenemos que retrotraernos a muchos años antes: Benito (bautizado como Benito María de los Dolores), el menor de diez hermanos, acababa de venir de sacarse el bachillerato de artes en el Instituto de Canarias (actual Instituto Cabrera Pinto) en San Cristóbal de la Laguna en la isla de Tenerife cuando aquel año de 1862 la volvió a ver, pero los dos ya no eran niños y el fuego de la pasión ya había prendido dentro de los dos jovenes hacía mucho tiempo.

Años antes, concretamente en 1850, llegó al hogar de la calle Cano, n.º 34 en las Palmas de la Gran Canaria, una niña preciosa de origen cubano llamada María Josefa Washington de Galdós nacida de la unión de José María Galdós, tío materno del futuro escritor, y de Adriana Tate. Todos conocían a la niña como Sisita.

Los niños crecieron y, al llegar a la adolescencia, mamá Dolores (la madre de Benito) percibió que su hijo y Sisita estaban enamorados. Tiempo estuvo en Tenerife, pero la llama de su Amor (como diría Bécquer) no sólo no disminuyó, sino que permanecía ardiente.

Doña Dolores de una forma u otra no podía tolerar las relaciones de su hijo con la prima (puede que por razón de parentesco, aunque hay que decir que las bodas entre primos hasta el Siglo XIX, sobre todo en pueblos, eran muy habituales) y decidió enviarle a Madrid para estudiar la carrera de Derecho, apartandole de su prima. La terrible decisión de su madre le causó hondo dolor a Benito "estuve algún tiempo atortolado, sin saber qué dirección tomar, bastante desanimado y triste".

Galdós hacía 1863

Galdós volvió algún verano a las Palmas en aquellos años, pudiendose encontrar con la joven, lejos de las miradas de todos. Poco podía esperar que surgiera un gran escandalo: Sisita quedó embarazada y es obligada a casarse en Cuba con un rico sesentón y así tapar la deshonra que conllevaba que fuera una madre soltera (estamos a principios de 1865). Galdós no pasa el verano de 1865 en Las Palmas, porque se enteró que Sisita ya había regresado a la isla de Cuba, pero sí vuelve en 1866 comenzando su primera novela. Mucho se ha especulado sobre si ese hijo fuera del matrimonio pudiese ser fruto de las furtivas relaciones entre Galdós y la prima.

Sisita se casó en Trinidad (Cuba) con Eduardo Duque, teniendo dos hijos falleciendo el primero (el que originó tal casamiento). Volvió a contraer nupcias, dando a luz una niña y, como consecuencia de una fiebre puerperal, el gran Amor de Galdós murió a los veintiocho años.

Es una incógnita qué rumbo hubiera tomado la vida de Galdós si se hubiera casado con Sisita. Probablemente hubiera seguido siendo timido, aunque con una vida algo menos proclive a las faldas y mucho más familiar. Cuando los periodistas Antón de Olmet y García Carrafa le preguntaron por qué no contaba algo de los amores de su juventud, Galdós respondió "ese es un aspecto de mi vida que no tiene nada de interesante. Nunca sentí la necesidad de casarme, ni yo puse empeño en ello". Así todo pareció quedar en el olvido.

La (misteriosa) Reina de Saba

"Oyendo la reina de Sabá la fama que Salomón había alcanzado por el nombre de Yahvé, vino a probarle con preguntas difíciles"

Apenas aparece en un capítulo de los Reyes y otro de Crónicas, aparte de ser mencionada por el propio Jesucristo en Lucas (al igual que también se habla de ella en el Corán), pero ni tan siquiera sabemos el nombre de esta mujer (al menos desde la tradición judeocristiana). Lo que nos queda muy claro que era la Reina del antiguo país de los sabeos, tierra que los arqueologos presumen que se hallaba en los actuales territorios de Yemen y Etiopía, cuyo centro gubernamental estaba en Marib.

Cuentan que la Reina fue a visitar el fastuoso Reino de Salomón, quedando maravillada de lo que vio, de lo grande que era el Reino de Israel, para ser testigo de la fabulosa sabiduria del propio Salomón. Jesús habla de ella así:

"El día del juicio, la reina de Saba se levantará contra esta generación y la condenará, porque vino de una tierra lejana para oír la sabiduría de Salomón. Ahora alguien superior a Salomón está aquí, pero ustedes se niegan a escuchar"

Dicen que la Reina le llevó a Salomón regalos o presentes de especias, oro y piedras preciosas.  En el Corán no se sale de ese punto, aunque añade que impresionada por la sabiduría y las riquezas de las que hacía gala el rey de Israel, se convirtió al monoteísmo, entonando una alabanza a Yahvé. En la tradición etíope su nombre es Makeba, mientras que en la tradición islámica (no en el Corán) es conocida como Bilqis o Balkis.

Ahora un poco de cotilleo antiguo: según el Kebra Nagast (el libro sagrado de la Iglesia ortodoxa etíope), la Reina de Saba Makeba se enamoró de Salomón, teniendo una relación de la que nació un hijo, el futuro Menelik I. Su madre se lo llevó a su tierra y, siendo ya mayor, fue al Reino de su padre, que incluso pensaba en él como Rey de Israel, pero Menelik no aceptó, lo cual no quiere decir que no quedara maravillado (al igual que entonces su madre) de lo que allí vio y oyo.

Menelik, se llevaria consigo el Arca de la Alianza, por lo que ésta no fue saqueada cuando tuvo lugar la primera destrucción del Templo (y el consecuente cautiverio de Babilonia), diciendose que el Arca original fue cambiada por una replica. Tras diversos avatares, según la tradición, el Arca está guardada y custodiada en la conocida como capilla de las tablas en la Iglesia de Nuestra Señora de Sion en Aksum, Etiopía, y que pertenece al Patriarcado Copto de Etiopía. Está absolutamente prohibido el acceso por parte de nadie ajeno en la zona donde supuestamente se custodia el Arca, por lo que la historia no pasa de ser una tradición indemostrable (porque ellos quieren).

Volviendo a la Reina de Saba: ella es un personaje fundamental de la historia etiope hasta el punto de que en ella se basa buena parte del poder de sus Reyes. Es más, dando por cierta la relación entre ella y Salomón de la que nació Menelik, afirman la conexión entre sus Reyes y la Monarquía davidica de Israel, considerandose por lo tanto descendientes directos de la Casa de David y, consecuentemente, Reyes por derecho divino.

Un truhan y un señor

Hace poco leí un comentario que decía que la reconocidisima canción de Julio Iglesias Soy un truhan, soy un señor era la canción del macho alfa. Yo no diría tanto, pero es verdad que fue un acierto que la cantara precisamente Julio Iglesias.

El origen de la canción la tenemos en el Dúo Dinámico, el cual comenzó a mediados de los 70, produciendole algunos discos y entre los trabajos con Julio tenemos la mencionada canción, de la que el propio Ramón Arcusa (la mitad del famoso dúo) llegó a decir que "el único que puede cantarla como Dios manda" es Julio Iglesias.
Una anécdota: El tema, que se halla en el álbum "33 Años", lo estrena Julio Iglesias en Televisión Española  en la noche del 15 de Junio de 1977  en un programa presentado por José María Iñigo durante el recuento de votos de las primeras elecciones democráticas después de la muerte de Franco (ver video). 

De Facebook a Twitter

A veces se da la engorrosa circunstancia de querer publicar un mensaje en Twitter que supera los 280 caracteres, pero el límite nos lo impide... a no ser que tengamos Facebook (página o en su defecto perfil) con el que podamos enlazar Facebook con Twitter.

Primero para conectar o enlazar Facebook con Twitter, loguéate en tu cuenta de Facebook e inserta en tu navegador el siguiente enlace: https://www.facebook.com/twitter/.

A continuación vemos los perfiles de tu cuenta y las páginas que administras. A la derecha de cada perfil te aparece la opción "Vincular con Twitter". En cuanto pulses ese botón, te redireccionará a tu cuenta de Twitter para que autorices la aplicación de Facebook.

Tras hacer esto, Facebook te mostrará el siguiente mensaje: "Tu página de Facebook ahora está enlazada a Twitter"  Ahora lo que tendrás que hacer es vincular el perfil o página Twitter, debiendo ser publicaciones publicas para que aparezcan en el twitter.

Por otro lado puedes filtrar qué tipo de publicaciones quieres que se vinculen automáticamente y cuáles no, limitandolo a las imágenes, enlaces, a vídeos o un simple mensaje. Para comprobar que funciona, publique en mi pagina de Facebook el primer párrafo del Quijote, por lo que en Twitter aparece de la siguiente forma:

Si pincho en el enlace veríamos la publicación original en Facebook:

Cuentos de Hans Christian Andersen

El hijo de un humilde zapatero, que no aprendió más oficio que el noble arte de la palabra escrita. Hans Christian Andersen es uno de los más grandes escritores de cuentos de la historia. Sus obras nos han hecho soñar y, aunque algunas de ellas han sido adaptadas (ahí lo dejo), casi ninguna supo captar el genio de su autor.

Es más: inspirados en cuentos y leyendas nórdicas, aunque la mayoría de ellos inventados por el autor, cuentan son un gran humor y sensibilidad, pero algunos sugieron (no sin razón) que no son tan "inocentes" como parecen ser y que reflejan parte de los conflictos internos del escritor. Un ejemplo lo vemos en los aparente paralelismos existentes entre el autor y el patito feo. Muchos de ellos, además, tienen finales trágicos donde el protagonista muere.

A continuación, he realizado una lista de los que, en mi opinión, son sus mejores cuentos. 

Sus mejores cuentos

1. El patito feo

2. El soldadito de plomo

3. La pequeña cerillera

4. La sirenita

5. La Reina de las nieves

6. Pulgarcita

7. La Príncesa y el guisante

8. Las zapatillas rojas

9.  El ruiseñor

10. El yesquero

Justificando lo injustificable

Antes de que Vox apareciera como partido en el espectro político parlamentario, Ciudadanos ya había sido echado e insultado del desfile del conocido orgullo y también lo había sido UPyD antes de ellos. Incluso el PP había tenido algún que otro problema. Los que argumentan que si nosequé de que por los pactos con Vox está justificado echar a la gente de la calle y van a provocar, no sólo mienten porque se escudan en una excusa falaz, sino que son unos totalitarios que no aceptan que allá partidos de los que se puede discrepar.

Lo más lamentable es que haya miembros del PSOE y del Gobierno (no meto a la extrema izquierda porque ésta ya ha dado sobradas muestras de su miserable proceder) que no sólo no condenan lo que pasó en el desfile del mencionado orgullo contra miembros de otro partido, sio que encima lo justifiquen. Eso de que estén pactando con determinados partidos en Navarra parece que hace que se les peguen las formas de éstos.

Partícularmente me apena que un señor, actual Ministro, y al que yo apreciaba parezca que justifique que alguien pueda literalmente ser expulsado de la calle. ¡Lamentable!

PD: por cierto, la supuesta versión policial sacada por esa cosa que debió desaparecer llamada El País y que, usando párrafos de forma interesada (que según ellos contradice a Ciudadanos), me hace mucha gracia porque parece destinada a justificar lo injustificable.

Desengaño 21 siempre será esa nuestra comunidad

Rara vez suelo criticar algo para poner más en valor una obra, ya sea en un medio literario, de audio o audiovisual, pero es que no me resisto a decir cómo alguién es capaz de valorar de forma positiva algo (imaginense los calificativos que se me ocurren) como La que se avecina, ese subproducto, que no es que sea una mala copia de una serie, que sin ser perfecta, tenía muy buenos puntos, sino que lleva lo del "caca, culo, pedo y pis" a la máxima expresión (me falto añadir el sexo y el machismo; mucho sexo y machismo). Aquí no hay quien viva era una serie buenisima, pero es que al lado de la serie de telecinco es una obra maestra.

Dicha serie fue creada por Laura Caballero y Alberto Caballero, sobrinos de José Luis Moreno para la productora de éste y emitida entre 2003 y 2007, constando de 90 episodios distribuidos en 5 temporadas, relatandosenos las aventuras (o más bien desventuras) de una comunidad de vecinos, que habita en un edificio bastante viejo donde el ascensor casí nunca funciona (muchos han querido ver una inspiración en la "13 Rué del Percebe" de Francisco Ibáñez). Ni que decir que  es unas de las series que más me ha hecho reir y en ella podemos ver a muchos estereotipos de la sociedad: vecinas cotillas, personas ambiciosas, etc. Lo bueno es que todos tenían un protagonismo definidido y no desentonaban con el tono humoristico de la serie.
A pesar de comenzar con bajos índices de audiencia (probablemente la gente pensó que era otra españolada más), su humor irónico, irreverente (pero sin caer en vulgaridades) y de mucho talento posibilitó que la serie se convirtiera en el buque insignía de antena 3. Es más, muchos aseguran con razón que el exito se debio a que era una serie coral, donde los personajes compartían protagonismo practicamente por igual y que cuenta con unos guiones muy trabajados. Fue tan popular que llegaron a dar especiales en Nochebuena y Nochevieja.

Entre los personajes de la serie (todos muy buenos) cabe destacar a Emilio, el portero, el alma mater (por así decirlo) de la serie que encumbró a Fernando Tejero con sus lios con Belen o los muchos gags con su padre, y a Juan Cuesta (José Luis Gil), profesor de escuela que vive dominado por su mujer (Paloma, intepretada por Loles León, la cual después abandonó la serie), ninguneado por sus hijos y que, tras la marcha de Loles León, empezó a vivir con Isabel alías "La hierbas" (mote puesto por la propia Paloma)

También a destacar son las frases o "coletillas" que tenían cada uno de los personajes, lo que hacía que los identificaramos bien, como ejemplo:

• Mariano (padre de Emilio, interpretado por Eduardo Gómez): "Ignorante de la vida".
• Marisa (Mariví Bilbao): "Que mona va esta niña siempre" (refiriendose a Lucía, interpretada por María Adánez).
• Juan Cuesta: "Esta nuestra comunidad".

La serie fue extremadamente intensa, destacando por ser una de las más vistas de la historia de la televisión, adaptandose en Portugal, Chile, Francia, Colombia y Argentina entre otros. La banda sonora, además, contribuyó en gran medida a crear la personalidad y el estilo de la serie, siendo compuesta e interpretada a capela por el desaparecido grupo Vocal Factory.

Sin embargo, todo (o casí todo) tiene un final. Telecinco compró el 15% de la productora por 11 millones de euros, pero lo cierto es que Moreno hacía tiempo que quería irse de antena 3. Ni Miramón Mendi (la productora de Moreno), ni Antena 3 consiguieron reanudarla, ya que la propia productora no poseía los derechos y la cadena no contaba con el mismo equipo técnico y artístico. Así que Telecinco creó el engendro que mencione al principio y que si bien contaba con gran parte del reparto, guionistas y demás, se parece a Aquí no hay quien viva como un huevo a una castaña.

En resumen: Aquí no hay quien viva es una serie con la que te ries a carcajada limpia y que aún hoy con los episodios (a pesar de ser repetidos) te sigues riendo. De hecho, sigue habiendo muchos episodios completos de dicha serie en YouTube (para dar un repaso).

Intros

Mejores momentos 

Lady Michelle Pfeiffer

Hay una película que pudo acabar con la incipiente y prometedora carrera de Michelle Pfeiffer y ésta era "Grease 2". Fue tan mala y duramente criticada que se canceló la posibilidad de seguir haciendo secuelas. Michelle apenás había rodado 3 películas, por lo que fue un duro paravalo (aunque ella fue lo único más o menos alabado), pero tuvo la suerte de tener un papel protágonico en la "Scarface" de Brian De Palma (en España se titula "El Precio del Poder"), haciendo de la mujer adicta a la cocaina de Tony Montana con una actuación destacada en la que se nos presentó como una mujer fuerte con un atráctivo intenso. 

Posteriormente llegaría la cinta de culto "Lady Halcón", una aventura fantástica donde intepretaba a una mujer que debido a un maleficio se transformaba en halcón durante el día, mientras su amado (interpretado por Rutger Hauer) era un lobo durante la noche ("siempre juntos; eternamente separados" diría el personaje interpretado por Matthew Broderick). 

Nuestra querida Lady Halcón

Ya entonces le llovían las ofertas y el éxito de sus películas hizo que rodara películas como "Cuando cae la Noche" de John Landis, la comedia "Dulce Libertad" de Alan Alda y fue una de las tres brujas (las otras eran Cher y Susan Sarandon) que intentan seducir al diablo, Daryl Van Horne (interpretado por Jack Nicholson). 

Su primer premio llegaría en los BAFTA con la sensacional "Las Amistades Peligrosas" (donde compartía protagonismo con Glenn Close y John Malkovich), seguido de un Globo de Oro por "Los Fabulosos Baker Boys".

Por la película que más la conoci en su inicio, siendo la primera que vi, fue la secuela de "Batman", "Batman Vuelve" haciendo de la famosa antiheroina Catwoman (compartiendo protagonismo con Michael Keaton, Danny DeVito y Cristopher Walken), pasando de una gris y timisa secretaria sin vida social a una mujer fuerte y segura, coincidiendo con su transformación en la mencionada Catwoman. Ahí demostró que estamos ante una actriz muy versátil.

Atrapados por la mujer-gato

Luego llegarían obras de gran calado como "Lobo", "La Edad de la Inocencia", "Mentes Peligrosas" y muchas más e incluso ha sido actriz de voz en películas como "El Príncipe de Egipto" y "Simbad: La Leyenda de los Siete Mares". Sin embargo, aún teniendo una gran carrera, resulta curioso que rechazara proyectos que a la poste serían extraordinarios. 

En la "otra carrera" de Michelle tendriamos peliculas como "Thelma y Louise", "El Silencio de los Corderos" (Jodie Foster ganaría el Oscar a la Mejor Actriz Principal), "Casino" (protagonizado por Sharon Stone) y "Evita" (en un papel que haría Madonna).

A pesar de eso, estamos ante una de las mejores y más importantes actrices de las últimas décadas del Siglo XX y principios del XXI; una actriz capaz de ser protagonista tanto en comedias como dramas, siendo una de las interpretes más versátiles y carismáticas de Hollywood. Eterna.