¿Qué va a ser de ti... lejos de casa?

Compuesta por Serrat, la canción versa sobre la infancia que se ha ido y como el padre recuerda a aquella niña, que ya no es tan niña, pero que sigue siendo su niña. El padre no comprende que ésta se vaya... ¿qué va a ser de ella?

Es una de las canciones más trágicas de Serrat en tanto en cuanto nos habla del dolor de un padre que ve (por las razones que sea) partir a su propia hija. Compuesta para el disco "Mediterráneo", Serrat, el eterno Serrat, supo captar aquello los sentimientos más profundos de un padre hacía su propio hijo (hija en este caso), embargados de recuerdos felices desde la más tierna infancia.

¡¡¡Bravissimo!!!

El cine italiano ha tenido multiples fases en diferentes géneros o estilos (Neorrealismo, comedia, ...) siendo un referente cultural de la vieja Europa con grandes películas dirigidas por excepcionales cineastas, muchos de los cuales eran guionistas o incluso se dedicaron a otras facetas como la pintura o el periodismo.

Mi objetivo ha sido crear una lista comentada de aquellos grandes directores del cine italiano, los cuales nos han emocionado, hecho reir o (en el mejor de los casos) hacernos pensar sobre los problemas de nuestra sociedad.

Los mejores directores italianos

1. Roberto Rossellini

Comentario: Indudablemente uno de los grandes del séptimo arte en Italia, iniciando el estilo cinematográfico conocido como Neorrealismo con aquella trilogía de la guerra que tanto emocionó (y emociona) a muchos ("Roma Ciudad Abierta" con la que relanzó a Anna Magnani, "Camarada" o "Paisà" y "Alemania Año Cero" ) donde en tiempos bélicos y post-bélicos ponía de relieve la miseria moral, así como el dolor de una sociedad destruida por la Segunda Guerra Mundial. Sus películas con la que sería su esposa, la gran Ingrid Bergman, seguirían demostrando su calidad para contar historias (ejemplo: "Stromboli, Tierra de Dios"), mereciendo una mención especial por "El General de la Rovere" con la que contó con Vittorio De Sica como protagonista.

2. Vittorio De Sica

Comentario: Grande para contar historias trágicas y emocionales, De Sica ya nos deslumbró por la tragedía de la necesidad a la que llevaba el paro con su "Ladrón de Bicicletas", destacando también obras como "Umberto D." o "Milagró en Milán". Fue el director fetiche de Sophia Loren a la que dirigió y con la que ha menudo coprotagonizó películas. Precisamente sería con una de sus obas magistrales "Dos Mujeres", una desgarradora historia en plena Segunda Guerra Mundial, con la que la Loren consiguió su único Oscar a la Mejor Actriz. Precisamente las películas de De Sica consiguieron hasta cuatro estatuillas de la Academia.

3. Federico Fellini

Comentario:  Considerado como uno de los principales protagonistas en la historia del cine mundial, de sí mismo decía que era "un artesano que no tiene nada que decir, pero sabe cómo decirlo" y durante tiempo nos contó un montón de historias con una gran cantidad de personajes variopintos. Con una obra aspera, pero con un marcado tinte satirico, Fellini dirigió obras como "La Strada", "La Dolce Vita", "Las Noches de Cabiria", "Ocho y Medio" o su partícular homenaje a la ciudad eterna con "Roma" entre muchas otras. En alguna de ellas, aparece su esposa, la sin par Giulietta Masina (una de las mejores actrices italianas) a la que acompañaría en su enfermedad hasta que él mismo murió en 1993 (ella sólo le sobrevivió unos meses). Su cine, el cual a veces roza lo extraño, no siempre fue bien entendido fuera de Italia (no obstante, sus películas ganaron 4 Oscars y poco antes de morir le dieron un Óscar honorífico). Su obra es ampliamente considerada como irrepetible e inolvidable. 

4. Luchino Visconti

Comentario: Uno de los grandes del cine (también fue director de ópera), este vastago de las familias más antiguas de la aristocracia lombarda, comenzó con el Neorrealismo con obras del calibre de Bellísima (con la deslumbrante actuación de Anna Magnani) y una de las últimas de esta corriente cinematográfica "Rocco y sus Hermanos" (con unos jovencisimos Alain Delon y Claudia Cardinale). Visconti retrató (seguramente por sus raices aristocratas) a los nobles y sus propias incoherencias de forma magnífica con películas como "El Gatorpardo" (con los que volvió a contar con Delon y Cardinale, teniendo a Burt Lancaster en una de sus más solidas actuaciones), "La Caída de los Dioses" o "Luis II de Baviera". Mención aparte merece la extraordinaria "Muerte en Venecia", disquisición estético-filosófica sobre la pérdida de la juventud y la vida.

5. Pier Paolo Pasolini

Comentario: Periodista en sus inicios y literato por vocación, Pasolini es un cineasta dificil de etiquetar, aunque la controversía siempre le acompañó por la temática sexual de algunos de sus trabajos. "Mamma Roma" (con Anna Magnani) fue una de sus primeras y grandes películas a la que siguieron otras como "El Evangelio Según San Mateo" que rodó a pesar de ser ateo, teniendo además un fuerte carácter social (de hecho fue dedicada a Juan XXIII el reformador de la Iglesia Católica, el cual dio inicio al Concilio Vaticano II), siendo una de las más bellas y frescas recreaciones de la vida de Jesucristo, "Medea", "El Decamerón" y "Los Cuentos de Canterbury". Su asesinato aún no esclarecido conmocionó a toda Italia. 

6. Giuseppe de Santis

Comentario: Otro de los grandes representantes del Neorrealismo De Santis, que inicialmente estudió filosofía y letras, abandonó la carrera para dedicarse a su pasión que no era otra que el cine, su vocación por contar historias. A destacar su "Arroz Amargo" donde nos narra la dura lucha por la vida de las recolectoras de arroz, con cierto tinte político-social y una pizca de cine negro, donde nos deslumbró una entonces desconocida Silvana Magano (con aquella erórica del muslo como dirían algunos). De Santis siempre restacó por mostrarnos precisamente a la sociedad campesina y rural con obras como "Días de Amor" (su primera película en color con la que Marcello Mastroianni consiguió la Concha de Plata) y "Hombres y Lobos". Mención aparte merece "Roma a las Once" inspirado en un suceso que había tenido mucha repercusión en su época. 

7. Michelangelo Antonioni

Comentario: Uno de los más agudos cineastas y guionistas italianos, en Antonioni destaca la la calidad de sus guiones, reelaborados tras cada filmación. Comenzó trabajando con Rossellini y era un profundo admirador de Fellini al que tenía como un director expecional. notable es su visión del mundo burgues, siempre acomodado y viviendo en la más pura rutina, muchas veces observado desde el punto de vista de un obrero. "Las Amigas", "La Señora sin Camelias" y muy especialmente "La Noche" (con Marcello Mastroianni, Jeanne Moreau y Monica Vitti) y "El Eclipse" reflejan a la perfección su obra. Su actriz fetiche fue sin duda la mencionada Monica Vitti, que fue su pareja y con la que rodó 4 películas. Los últimos años de su vida se dedicaría a su otra gran pasión: la pintura.

8. Mario Monicelli

Comentario: No podíamos dejar abandonada a la clásica Commedia all'italiana y Monicelli fue uno de los grandes de aquella época, con obras maestras del cine italiano como "Rufufú" (con Totò, Vittorio Gassman y Marcello Mastroianni y es considerada la primera obra de la Commedia all'italiana. A ella continuaron "La Gran guerra" (que es considerada su mejor trabajo, llegando a estar nominada a un Premio Oscar) o "La armada Brancaleone" entre muchas otras que son clasificadas como lo mejor del cine cómico italiano.

9. Giuseppe Tornatore

Comentario: Sus inicios fue en el mundo de los documentales y la fama la consiguió gracias a su bella, hermosa, artística, sublime... (todavía tendría más calificativos) "Cinema Paradiso", todo un canto de Amor al cine, que le valió gran fama internacional. Su carrera ha oscilado entre éxitos y fracasos. Películas como "Pura Formalidad" o "Malèna" (con Monica Bellucci), es todo un simposío a la sexualidad en plena adolescencia.

10. Bernardo Bertolucci 

Comentario: Ente la polémica y la grandeza, Bertolucci es el director italiano cuya película ("El Gran Emperador") ha ganado más Oscars (9) con un relato pormenorizado de la caída del último Emperador de China con la llegada primero de los repúblicanos y después de los comunistas.  Antes guionista que director, colaboró con Pasolini y Sergio Leone (fue guionista de "Hasta que llegó su Hora") y la obra de otros directores como Godard, Kurosawa o los neorrealistas le inflyeron notablemente. Películas como "El Conformista", "El Último Tango en París" (con Marlon Brando), "Novecento", "La Luna" o la mencionada "El Gran Emperador" son de sus obras más reconocidas.

La Diosa de la noche

Hasta la noche tenía su Diosa y ésta no era otra que Nix (también llamada Nyx o simplemente Noche). Según la mitología helena, en el principio sólo reinaba el Caos (o la Nada), surgiendo los Dioses primordiales de los cuales emanan todos los demás. Los Dioses primigenios eran Gaia (la Madre Tierra), Eros (la fuerza de la creación), el Tártaro o Inframundo,  Erebo (el Dios primordial de la Oscuridad) y Nyx, la Diosa de la Noche, por lo que estaba entre las más importantes del mundo antiguo, aunque paradojicamente su culto no era habitual (según el historiador Pausanias tenía un oráculo en la acrópolis de Megara).

Nix tuvo varios hijos: los gemelos Hipnos y Tánatos, las Keres (espíritus femeninos, conocidas como las Furias, Diosas de la muerte violenta en batalla), Némesis (Diosa de la Justicia Divina y del Equilibrio) o las Hespérides. Todos y cada uno de sus hijos (tuvo muchos más de los que he nombrado) eran de carácter oscuro y maléfico. 

Su hogar era el Inframundo y su Reino era la Noche. Los griegos la representaban como una hermosa mujer alada que conducía un carro, ataviada con un gran manto negro plagado de estrellas y acompañada de sus hijos Hipnos y Tánatos. 

Según se cuenta Hipnos hizo dormir a Zeus a instancias de Hera, lo que le permitió causar grandes infortunios a Heracles (el cual regresaba por mar de la Troya de Laomedonte). Zeus montó en cólera y hubiera arrojado a Hipnos al mar si éste no hubiera huido asustado hasta su madre. Zeus, temiendo enfadar a la Noche, no lo castigo finalmente.Así supimos que Nix era la única divinidad a la que tenía el mismísimo Rey de los Dioses.

El hombre que amaba a las mujeres

Ejemplo de vida disoluta, Giacomo Casanova es el ejemplo perfecto de Don Juan en la vida real, un hombre que encandilaba a las mujeres, pero que más allá de eso (teniendo en cuenta que por tal cosa es reconocido por muchos), fue un notable viajero, con multitud de contactos y en algunos casos por lo visto como espía (para los inquisidores venecianos). 

Arquetipo de libertino, se dice que se tuvo hasta 122 conquistas amorosas, pero lo cierto es que se calculan que fueron muchas más las mujeres a las que sedujó. Pendenciero y jugador, eso le trajó más de un problema dado la prohibición del juego en donde viajaba. Su vida, no obstante, es un misterio. Sólo nos ha llegado lo que otros dicen de él o lo que el mismo contó en sus memorías, las cuales escribió en francés ("He escrito en francés, y no en italiano porque la lengua francesa está más extendida que la mía").  

Viajo por multitud de sitios de la vieja Europa, desde España, siguiendo por Inglaterra, Francia o Rusía, destacando, según sus contemporáneos por una forma cortes de moverse. Las mujeres podían ser más o menos famosas (¿Acaso fue amante de Madame Pompadour cuando él era favorito de Luis XV?), casadas e incluso una prostituta, incluso a edades tardías como los 60 años cuando empezó a escribir sus famosas memorias ¿Cuál fue el secreto de este hombre?

Al parecer, según cuentan sus coetaneos, Casanova tenía el raro don (para un hombre de la época, claro) de dirigirse a ellas como si fueran sus iguales (recordemos el papel histórico de una mujer). En una época en que los hombres estaban por encima de ellas en muchos aspectos, incluso a la hora de tratarlas,el veneciano sabía cómo hablarlas prestandose al placer de la mujer, relegando a un segundo plano el egoísmo y a veces la desgana de muchos hombres a la hora de tratarlas. Ese fue Giacomo Casanova, el hombre que sabía como tratar a las mujeres.

Aquel muelle de San Blas

Allí esperando en el muelle de San Blas se encuentra ella; esperando la vuelta de su Amor. Esta canción del grupo mejicano Maná es una de las más trágicas a la par que reconocidas del grupo. Lo que muy pocos sabían (al menos hasta hace poco tiempo) es que "En el muelle de San Blas" estaba basado en una historia real.

La mujer en cuestión se llamaba Rebeca Méndez Jiménez y su historia comenzó en 1971, cuando días antes de casarse con su novio Manuel, éste se fue a pescar y nunca regresó. Rebeca, el mismo día en el que estaba prevista la boda, acudió al muelle de San Blas, en Nayarit (Méjico), esperando a su prometido vestida de blanco. Allí, en el muelle de San Blas, lo esperaría durante años hasta que murió en el año 2012 a la edad de 63 años. La loca del muelle de San Blas como la conocieron murió loca efectivamente,,, pero de Amor.

Las revoluciones industriales

Desde un punto de vista historiográfico existen tres procesos de revolución tecnológica durante la denominada como Edad Contemporánea (desde el Siglo XIX), protagonizados por la industria, la revoluciones están asociados a los cambios que produce la tecnología del momento en la sociedad. 

Duchos cambios comenzaron a producirse debido a la gran migración que hubo del campo a la ciudad y es que no sólo fue un cambio económico, sino social, pasando de una sociedad preindustrial a la sociedad industrial (y posteriormente a la sociedad postindustrial).

Fase	Cronología	Localización	Tipos de industria	Fuentes de energía	Inventos principales
1ª	1750-1850	Inglaterra	-Textil -Siderúrgica	Carbón	-Máquina de vapor -Ferrocarril
2ª	1850-1945	-Europa occidental -Estados Unidos -Japón	-Metalúrgica -Mecánica -Química	Petróleo	-Automóviles (motor) -Teléfono -Radio -Televisión
3ª	1945- ¿?	Países desarrollados	-Electrónica -Informática	Nuclear	-Cohetes -Ordenador -Móvil -Internet

Actualmente se dice que estamos inmersos en la cuarta revolución industrial (industria 4.0) en la que tendría que ver muchísimo la evolución de Internet, la digitalización, la nube y la robótica, viviendo en un mundo completamente asociado entre seres humanos y máquinas por medio de la red.

Just My Imagination

Esta semana falleció de forma inesperada Dolores O'Riordan, histórica vocalista de The Cranberries. En un hotel de Londres era encontrada muerta y es en ese momento cuando se iba parte de la historia musical de los años 90 y principios de este siglo.

Por eso, aquí como homenaje no puedo hacer otra cosa que poner de relieve Just My Imagination, una de las más reconocidas y conocidas canciones del grupo. Una de mis favoritas.

La mexicana que conquistó Hollywood

En los años 20, 30 y 40 los actores latinoamericanos estaban muy de moda en el creciente Hollywood. Destacó especialmente un país como Méjico, el cual hacía (y hace) frontera con los Estados Unidos por lo que muchos actores daban el salto a probar suerte. La más grande sin lugar a dudas fue la mejicana María de los Dolores Asúnsolo y López Negrete que pasó a la historia como Dolores del Río.

Descubierta en su país por el cineasta estadounidense Edwin Carewe (uno de los más importantes de la étapa muda), comenzó su carrera en los Estados Unidos en 1925. Ya durante su etapa en el Cine mudo estadounidense, la joven Dolores llegó a ser considerada la versión femenina de Rodolfo Valentino; la latín lover femenina diría la prensa de entonces. 

A Dolores la quería la cámara y los productores que veían en ella a un diamante en bruto. Dolores participó en una serie de películas mudas de gran éxito como "El Precio de la Gloria" (De Raoul Walsh), "Resurreccion" y "Evangeline". 

Tras la aparición del Cine sonoro, participó en una serie de cintas de gran calibre como "Ave del Paraíso" (producida por David O. Selznick para el lucimiento de Dolores y que causó gran escandalo, puesto que se la ve desnuda), "Volando a Río" y"Jornada de Terror". Cuando su carrera en Hollywood comenzó a declinar a principios de los años 1940 volvió a Méjico, un país que se encontraba inmerso en un momento de gran y maravillosa producción cinemátografica. El paísw estaba en la conocida como Epoca de Oro del cine Mexicano. 

Dolores alternó tanto cine y teatro, así como su país natal y de acogida, siendo una de las estrellas más reconocidas salidas del querido Méjico. Aquella Dolores que salió con apenás 20 años de su país natal para triunfar en el rutilante Hollywood es una figura mítica de Latinoamérica, así como la perfecta representación del bello rostro femenino de Méjico en el mundo entero. Una grande del cine. 

Genios de la Literatura: J. D. Salinger

De origenes judíos y proveniente de lo que en aquellos años era el Imperio Ruso, pocos podían suponer que el pequeño Jerome David acabaría por convertirse si bien en un escritor poco prolífico, en paradojicamente uno de los más recordados.

Jerome David Salinger nació el 1 de Enero de 1919 (debio ser de los primeros bebes de aquel año) en Nueva York, los Estados Unidos. Cuando Jerome David nació, su familia ya tenía una posición acomodada y por fortuna no padecieron las terribles causas de la depresión del 29. De hecho, se trasladaron en 1932 a un lujoso apartamento de Park Avenue, en Manhattan. Jerome David no era un alumno brillante, por lo que sus padres lo internaron en 1934 en la Academia Militar Valley Forge, Pensilvania, donde se graduó dos años después. 

Ese mismo año se matriculó en la Universidad de Nueva York para estudiar arte y, tras un semestre sin demasiado provecho, su padre le ofreció viajar a Europa para aprender idiomas (cosa que era muy tentadora) y de paso iniciarse en el negocio de la importación. Cabe decir que fue esa una época de gran confusión no sólo para el joven Jerome (por su futuro), sino por la devastación que causó la Segunda Guerra Mundial donde participó como soldado en el histórico día D de Normandía con una Europa destrozada, que vio como los nazis definitivamente mordían el polvo en 1945.  

La carrera literaria del que pasaría a ser llamado con la abreviatura de su nombre (J. D. Salinger)  comenzó con la publicación en diversas revistas de su país de relatos y piezas teatrales. Durante su época de combatiente inició la redacción de la que sería obra más conocida, "El Guardián entre el Centeno (1951), novela escrita desde el punto de vista de un adolescente enfrentado  a la hipocresía del mundo adulto y por lo tanto de la sociedad, conteniendo además una cierta grandes dosis de ironía. Esa obra la acabaría publicando en 1951, teniendo un gran éxito desde ese momento como el resumen de unos años confusos para la juventud post-Guerra Mundial, la cual no tenía referentes más allá de algún cantante o actor. La obra obtuvo un éxito espectacular y fue rápidamente traducida a diversos idiomas. 

La obra que le dio la fama

Salinger, hombre oscuro y poco dado a los flashes, escribió algunas obras cortas, pero ninguna alcanzó el grado de aquel escrito que le encumbró al pináculo de la literatura universal. Su vida privada era una de las pocas cosas que la gente no le podía quitar (dicen que la película "Descubriendo a Forrester", protagonizada por Sean Connery está inspirada en su persona) y por eso la defendió a capa y espada. El hecho de que fuera considerado una figura de culto por su inmortal obra era algo que nunca llevo bien... hasta su muerte. 

J. D. Salinger falleció el 27 de Enero de 2010 en la soledad, aunque enaltecido por muchos por aquel adolescente rebelde llamado Holden Caulfield que verdaderamente era un guardián entre el centeno. Salinger gracias a este adolescente alcanzó la inmortalidad literaria. 

Puede consultar su vida y obra en: J. D. Salinger-Wikipedia

Locura en Arkham

Con el nombre inspirado en la ciudad ficticia creada por H. P. Lovecraft en su obra "Massachusetts", la primera aparición del manicomio Arkham sería a mediados de los años 70, pero en sus primeras versiones era un hospital común. Sería en los 80 cuando nos es presentado como una gran casa decorada al estilo victoriano y que ha sido adaptado como un manicomio/cárcel que reciba a algunos de los criminales más peligrosos del mundo, los cuales son seres perturbados detenidos por Batman.

Situado en las afueras de Gotham, en ella se haya una gran pleyade de individuos nocivos tales como el el Joker, Harley Quinn (que era la psicológica que trató al Joker en el manicomio hasta que la atrajo hacía él), Dos Caras, Enigma, El Espantapájaros, , Hiedra Venenosa, el Sombrerero Loco y tantos otros. 

Precisamente con la readaptación editorial del hospital en un manicomio se nos contó la historia del mismo, así como la de su fundador. Amadeus Arkham cayó curiosamente en la locura cuando Martin "Mad Dog" Hawkins violó y asesinó a su hija y además mató a su esposa. Arkham mató a Hawkins y, acabaría suicidándose, mientras estaba encerrado en el manicomio que el mismo había fundado.

Clásicos Inmortales: Ascensor para el Cadalso

La primera obra en solitario de Louis Mallé (su opera prima) y un gran estreno con esta película de cine negro (género muy popular en Francia aquellos años) basada en la novela de Noël Calef y que forma parte de esas pequeñas joyas del séptimo arte galo. 

Florence Carala (Jeanne Moreau) y Julien Tavernier (Maurice Ronet, el cual es un ex-oficial paracaidista de la Legión Extranjera y veterano de la Guerra de Indochina) son amantes que planean matar al marido de Florence, Simon Carala (Jean Wall), un rico industrial, el cual además es jefe de Julien. Para ello urden un plan. 

Un Sábado, después de trabajar hasta la tarde, Para evitar ser visto, Julien sube una planta por el exterior del edificio con una soga, disparando a Carala. Tras ello, arregla el despacho para que parezca un suicidio, y luego se dirige a la calle. Cuando se sube a su descapotable Chevrolet, levanta la vista y ve para su horror que la cuerda aún está colgando del edificio. Dejando el motor en marcha, retrocede va al ascensor. A medida que asciende, el guardia de seguridad desconecta la energía y  cierra las puertas para todo el fin de resultado. Julien queda atrapado en el ascensor, a mitad entre dos pisos.

Justo en ese momento, el coche de Julien es robado por una joven pareja, Louis (Georges Poujouly), un ladrón de poca monta, y la asistente de florista Véronique (Yori Bertin), la cual conoce a Julien (aunque sólo de pasada). Florence, la cual está esperando a Julien en un café cercano, ve pasar el automóvil con Véronique asomándose por la ventana por lo que supone que Julien se ha escapado con ella y deambula por las calles de París toda la noche preguntando si saben algo de él en los bares y discotecas que suele frecuentar. 

En el coche de Julien

Mientras Louis se pone el abrigo y los guantes de Julien y van a un motel en el campo, registrandose los jovenes con el nombre de "Sr. y Sra. Julien Tavernier" para evitar problemas a Louis, el cual está  en busca y captura por delitos menores. En el motel, conocieron a Horst Bencker (Iván Petrovich) y su esposa Frieda (Elga Andersen), una jovial pareja de origen alemán que se encuentran de vacaciones. Después de que Frieda toma fotos de Louis y su esposo con la cámara de Julien, Véronique lleva la película a un laboratorio fotográfico que se encuentra al lado del motel.

Sin noticias de Julien

 

Después de que los alemanes se van a la cama, Louis intenta robar su Mercedes-Benz. El señor Bencker atrapa a Louis y lo amenaza con lo que parece ser un arma, pero realmente es un tubo de cigarro. Louis dispara y mata a la pareja con la pistola que Julien tenía en el coche. Él y Véronique regresan a París y se esconden en un `piso. Convencida de que el rastro del crimen les llevará hasta ellos, Véronique persuade a Louis para que se una a ella en un pacto suicida. Toman una sobredosis de pastillas, desmayandose.

Los cuerpos sin vida de los Benckers, son descubiertos junto con el coche, pistola e impermeable de Julien por lo que éste se convierte en el principal sospechoso de sus asesinatos, y los periódicos imprimen su imagen. Al buscarlo, la policía llega al edificio de oficinas, abriendole las puertas el guardia de seguridad, quien abre las puertas de entrada y enciende la energia. El ascensor funciona y Julien por fin puede escapar sin que lo vean, pero cuando pide café y medialunas en un café, es reconocido y llaman a la policia para arrestarlo. En el edificio de oficinas, la policía descubre el cuerpo de Carala, pero asume que éste se suicidó, pero, por ironías del destino, acusan a Julien de matar a los Benckers, negándose a creer su coartada de que estaba atrapado en un ascensor.

Florence, decidida a absolverlo, dispone a encontrar a Véronique. Ella y Louis, habiendo fracasado su intento de suicidio, están vivos, pero adormilados. Florence los acusa de matar a los Benckers y va a llamar a la policía. Louis al principio piensa que no hay evidencia que lo relacione con el crimen, pero Véronique recuerda las fotografías de él con Bencker. Dirigiéndose al laboratorio de fotografía, Louis descubre que la policía ha desarrollado las imágenes, arrestandolo por asesinato.

No obstante, Florence y Julien acabaran pagando. La policía le muestra las fotografías tomadas con la cámara del propio Julien, que deja claro que eran amantes y que compartían un motivo para matar a su marido. Ambos irán a juicio por el asesinato de Carala.

Estamos siendo testigos de dos asesinatos que, aunque no guardan relación en sus motivos, están relacionados el uno y el otro con dos historias que circulan paralelas. Suspense del bueno. Mención aparte merece la maravillosa banda sonora del legendario trompetista Miles Davis cuando Jeanne Moreau pasea perdida por las calles de París. 

Ficha

Dirección	Louis Malle
Producción	Jean Thuillier
Guión	Louis Malle Roger Nimier Obra: Noël Calef
Música	Miles Davis
Fotografía	Henri Decaë
Montaje	Léonide Azar

 

Otros datos

País	Francia
Año	1958
Género	Cine negro
Duración	88’

 

Protagonistas

Actor	Personaje
Jeanne Moreau	Florence Carala
Maurice Ronet	Julien Tavernier
Lino Ventura	Comisario de policia Cherrier
Charles Denner	Inspector de policia
Georges Poujouly	Louis
Yori Bertin	Véronique
Iván Petrovich	Horst Bencker
Elga Andersen	Frieda Bencker
Jean Wall	Simon Carala

Sola en la noche (Miles Davis)