De todas las facetas de Tony Leblanc (actor, guionista, comico y demás) probablemente la menos conocida para el gran público es la de compositor. Si; señores. Resulta que Ignacio Fernández Sánchez, conocido por su nombre artístico Tony Leblanc compusó determinadas canciones, entre las que hemos de contar un tema tan maravilloso como "Cántame un Pasodoble Español".
Registrada como pasacalle a su nombre, pero como no sabía trasladarla, hubo de recurrir al maestro Emilio Lehmberg, el cual se encargó de pasarla al papel pautado, una vez que escuchó tararearla a Leblanc, el cual comonía de oído (y que oído). A cambio,Leblanc se vio obligado a compartir con Lehmberg los derechos de autor y permitirle firmar a medias la pieza.
"Cántame un Pasodoble Español" se estrenó en 1954 en un espectáculo de variedades llamado "Lo Verás y lo cantarás", interpretado por Ana María Parra, vedette de revista de la época, que solía interpretar boleros. No triunfó hasta que lo cantó Lolita Sevilla (seguramente muy conocida por su participación en "Bienvenido, Mister Marshall") que siempre la tuvo entre en su repertorio.
Probablemente estemos ante una de las imagenes incónicas del Siglo XX. Y todo cuando a un visionario (o un loco o un loco visonario) como Andy Warhol se le ocurrió pintar sobre lienzo una de las cosas más representativas de la cultura estadounidense a principios de los años 60: unas simples latas de sopa Campbell.
De esa manera, el artista supo calar con una buena parte de la sociedad debido precisamente al uso de elementos cotidianos: era el arte pop tan extendido en Reino Unido y que ya había llegado a los Estados Unidos.
Eso no impidió que hubiera cierta controversia: controversia a raiz de los méritos que suponían tal trabajo y aún la calificación de arte de esta pintura, así como Warhol (un por aquel entonces ilustrador comercial) como artista han sido y siguen siendo
cuestionados. Lo cierto es que la relación de Warhol con el tema ha llevado a que sea frecuentemente asociado a las mismisimas latas de sopa Campbell.
La única referencia a este oscuro personaje la tenemos en en el capítulo 8 de los Hechos de los Apóstoles donde se nos relata que Simón era un mago (a veces es traducido como hechicero) de Samaria, convertido al cristianismo. Cuando Pedro y Juan fueron enviados a Samaria, Simón les ofreció dinero a cambio del poder de transmitir el Espíritu Santo, algo que fue rechazado por los Apóstoles, profundamente escandalizados.
De la propuesta del tal Simón deriva la palabra "simonía", que designaría el pecado, que consiste en pagar o negociar por obtener prebendas o beneficios eclesiásticos. Al principio de los tiempos del Cristianismo, existió una secta gnóstica que aseguraba que Simón el Mago era un dios en forma humana. Lo cierto es que parece que tuvo muchos seguidores y que llegó a predicar una especie de Cristianismo muy diferente (si se le puede llamar Cristianismo a eso). Tal secta fue conocida como simonianismo, surgida durante el Siglo II, por lo que es muy posterior a la muerte de Simón el Mago. Las enseñanzas de Simón consistían en que él era " la gran Potencia de Dios ", una falsa afirmación de ser el Mesías a ojos de los cristianos. Su propia visión del cosmos era partícular: el Fuego era la primera de todas las cosas y que, al ser tanto hembra como macho, dio a luz a un universo que consta de seis "raíces" diferentes: Nous (mente), que posteriormente sería el padre, Ennoia (pensamiento), Logismos (razón), Nthymêsis (reflexión), Phonê (voz), y Onoma (nombre).
En torno a este personaje se han creado multitud de leyendas, siendo la más conocida la que nos relata el texto apócrifo de los Hechos de Pedro. Cuando estaba exhibíendo sus poderes mágicos en Roma, volando ante el emperador romano Nerón en el Foro Romano, probando de esa forma su condición divina, los apóstoles Pedro y Pablo rogaron a Dios que detuviese su vuelo, parando y cayendo al suelo donde fue apedreado por el populacho. Es curioso, pero el tal Simón el Mago aparece en una película "El Cáliz de Plata" de 1954 interpretado por no cualquier actor (Jack Palance), siendo ésta la primera película de Paul Newman.
"No tenía patria ni Rey, sólo un puñado de hombres fieles.
No tenían hambre de gloria, sólo hambre.
Así nace un mito.
Así se cuenta una leyenda"
Tengo que reconocer que mucho antes de leer esta novela, la figura del Cid ya me resultaba apasionante. En esta obra, Pérez-Reverte nos traslada a aquella Península Ibérica donde convivían musulmanes y cristianos, mientras un hombre junto a una decena de fieles tiene que partir al exilio por culpa de un Rey torpe y vengativo.
Ese hombre es Ruiz Díaz y al inicio de la novela, mientras cabalga en busca de fortuna, siempre respetando los intereses de su Rey, se nos muestran una serie de flashbacks su origen, cómo llegó hasta allí y su servicio al Rey musulman de Zaragoza Mutaman y sus luchas contra el Conde de Barcelona, Berenguer Remont (al que Ruy Díaz le había ofrecido anteriormente su espada, sienro rechazado)
La obra se halla dividida en las siguientes partes:
La cabalgada
La ciudad
La batalla
La espada
Centrada en el primer año del Sidi ("Señor, Señor" le decian los moros), es una dificil labor desmitifadora de un personaje ya de por si oscuro y del que apenás conocemos algo. Pero, como dice el propio Pérez-Reverte al inicio del libro Hay muchos Ruy Díaz en la tradición española, y éste es el mío".
Era toda una celebridad. Los hombres querían ser como él y las mujeres querían estar con él. Con ese fino bigote y ese aire picaro que tienen los aventureros unida a una agilidad pasmosa, que siempre demostraba en las películas, Douglas Elton Thomas Ullman alcanzó la gloria cinematográfica bajo el nombre de Douglas Fairbanks.
Y es que el primer cine de aventuras lo tenemos en Fairbanks en aquellos años mudos del cine con "Los Tres Mosqueteros", "La Marca del Zorro", "El Pirata Negro" y muy especialmente "Robin de los Bosques" (la primera película que ví de él), demostrandonos una capacidad atlética soberbia, llevandonos a mundos aparentemente imposibles para derrotar al villano de turno.
Cine "de espadachines"
Era un cine aparentemente "simple", pero muy efectivo no ya sólo por la dirección o el guión, sino por el carisma de Douglas, el cual estaba casado desde 1907 (mucho antes de ser popular) con Anna Beth Sully con la que tenía un hijo, de mismo nombre y que seguiría sus pasos actorales como Douglas Fairbanks Jr., del cual como anécdota podemos decir que fue el primer esposo de Joan Crawford.
No hablaría de la vida personal de Fairbanks (padre) si no fuera porque está influyó en su carrera. Tras la Gran Guerra (denominada porsteriormente como Primera Guerra Mundial), Fairbanks se asoció con algunas de los más importantes personalidades de Hollywood, como Charles Chaplin, D. W. Griffith (con el que había comenzado su carrera) y la actriz más importante de la época, Mary Pickford, la cual al igual que él, era una de las grandes celebridades del momento, a la que todo el mundo conocía como la Novía de América. Estos 4 se asociaron para formar una compañia independiente, alejada de las grandes productoras, la United Artist. De esa forma conoció a Mary y, tras ello, tuvieron algo más que una sencilla amistad. Se hicieron amantes.
Fairbanks, Pickford, Chaplin y Griffith
El escandalo fue tremendo en una época donde el cine no había alcanzado la grandeza posterior, pero donde la gente quería conocer los pormenores de aquellos a quienes veía en las salas de cine. Tanto Douglas como Mary estaban casados y ambos se separaron para unirse en 1920. Nacía así una de las primras parejas mediaticas del cine.
Fue después de eso cuando Fairbanks tuvo constancia de una película de Alemania, "Las Tres Luces" dirigida por un no tan conocido Fritz Lang, pero que causaba furor en aquel país. Sus trucajes (aquella alfombra voladora), así como una parte de su guión (ambientado en Arabía) quiso trasladarlo Douglas a su propia película, posibilitando la producción de "El Ladrón de Bagdad", la cual es una maravilla donde Fairbanks como protagonista casi absoluto nos demuestra todas y cada una de las cualidades físicas e interpretativas que tanto habían encandilado al gran público. Para la dirección escogió a un entonces desconocido Raoul Walsh.
Era tal la populatidad de Fairbanks que fue el primer presentador de los Premios de la Academia, que se celebraron el año 1929. Poco podrían saber que sólo quedaban 5 años para que Douglas rodase su última película. Las causas fueron su inadaptación al cine sonoro y que el físico no le aguantaba y no era por la edad, sino a la enfermedad derivada de sus años de fumador empedernido.
Dándole el Premio a Janet Gaynor
También el matrimonio con Mary comenzó a hacer aguas debido a muchas causas, entre las que se encuentran las infidelidad de ambos, así como la inestabilidad emocional de ella. Se separaron en 1936, aprovechando Douglas para casarse con su amante, Edith Louise Sylvia Hawkes.
¿Cómo un hombre tan famoso pudo ser olvidado después de abandonar las cámaras? ¿Quién sabe? lo cierto es que entre sus pocos amigos y confidentes se hallaba su colega y socio Charlie Chaplin, al que siempre tuvo en gran consideración (en contraste con Mary que no le tenía precisamente mucha simpatía). Un infarto acabó con su vida en 1939, pero su legado sigue latente como uno de esos grandes que traspasaron la pantalla para meter al espectador directamente en la trama.
No sabríamos qué hubiese pasado si James M. Cain hubiera cumplido su sueño de ser cantante de ópera como su madre, pero lo cierto es que no le fue precisamente mal como novelista. Y es que James M. Cain alcanzó la fama con la novela negra muy popular en los años de la Gran Depresión.
Sus obras más conocidas son "El Cartero siempre llama Dos Veces" y "Pacto de Sangre".
El Cartero siempre llama Dos Veces (1934)
El propio autor cuenta en el prologo de "Pacto de Sangre" que tuvo una conversación con el guionista Vincent Lawrence en la que éste le decía que se sentía ansioso cada vez que esperaba una respuesta sobre un
manuscrito, sabiendo que el cartero siempre llamaba dos veces, tomando dicha frase como referencia de su libro.
Frank Chambers, un trotamundo sin oficio ni beneficio se acaba quedando en un restaurante de carretera (tan propio de los Estados Unidos) regentado por un inmigrante griego llamado Nick. La cosa podría parecer normal, pero la cuestión es que Frank no se queda por un prometedor futuro en tal sitio (que no pasaba de ser un restaurante cochambroso), sino porque se enamora perdidamente de la joven esposa de su jefe, Cora, la cual no sólo vive en un matrimonio que la encadena, sino que siente deseos por el propio Frank. La ambición, el odio y la pasión no sólo les hará estar juntos, sino asesinar al marido de ella, intentando parecer que sea un accidente de coche, algo que consiguen en cierta medida e incluso acaban absueltos, pero más allá de eso el destino les juega una mala pasada. La muerte de Cora en precisamente un accidente del coche conducido por Frank hará que éste (el cual ha sobrevivido) sea condenado a muerte acusado de haber orquestado, merced a una serie de supuestos indicios, el asesinato de ella, que además estaba embarazada.
El autor
Así, según el título, el "cartero" sería el Destino y el "mensaje" sería la muerte para Cora (en accidente) y Frank (pena de muerte) por el
asesinato de Nick de cuya condena se libraron aquella primera vez y es que el destino (cartero) volvió a llamar a su puerta con fatales consecuencias.
Tuvo dos reconocidas adaptaciones cinematográficas: en 1946, contando como protagonistas con Lana Turner y John
Gabrfield y en 1981 contando con Jessica
Lange y Jack Nicholson. Más o menos fieles, sorprende que ambas actrices
(Lana Turner y Jessica Lange) sean rubias cuando en la novela Cora es
morena y, de hecho, en un primer momento, Frank cree que ella es
mejicana por el color moreno de su pelo, pero ella le dice que no sólo
no es asi, sino que es de California.
Pacto de Sangre (1943)
Su título original es "Double Indemnity" ("Doble Idemnización" en ingles) y, de hecho, va sobre eso. Basado en un caso real, un gris agente de seguros y la mujer de su asegurado, los cuales se hacen amantes, se las arreglan para asesinar al marido pareciendo que sea un accidente y que ella cobre un seguro de doble idemnización por accidente que sólo valdrá si éste sufre un accidente en un sitio inusual como un tren ( como en este caso).
Walter Huff, el agente de seguros, y Phyllis, la mujer del asesinado y una mujer con oscuro pasado, se veran envueltos por propia iniciativa en un ambiente opresivo que les hara desconfiar el uno del otro, contando además con la vigilancia de Keyes, encargado de averiguar posibles estafas al seguro, Lola, la hija del asesinado, y Sachetti, novio de la hija, estudiante de medicina y también de pasado incierto. Al parecer está basada en un caso real.
Tiene una reconocida adaptación cinematográfica: es de 1944 y tanto en el mundo anglosajón como en América Latina la película conservó el nombre ("Double Indemnity" y el sugerente "Pacto de Sangre"), pero en España se titula "Perdición". Dirigida por Billy Wilder y con bastantes cambios en la trama, contaron con Fred MacMurray como el agente de seguros Walter Neff (al parecer se le cambió el apellido porque había un agente de seguros con el mismo nombre; también el apellido de la familia pasó de Nirdlinger a Dietrichson) y Barbara Stanwyck (con peluca rubia). Mención aparte merece el fenomenal Edward G. Robinson como Keyes, destacando muy especialmente Miklós Rózsa con su maravillosa banda sonora.
En resumen...
Dos novelas negras más que extraordinarias, que en su tiempo causaron gran escandalo (debido a la violencia, pasión y deseo sexual que se respiraba entre sus paginas) y que supusó que Cain fuera reconocido como uno de los grandes del género.
Compuesta por un grupo de rock alternativo que tampoco es muy conocido (Ednaswap) no deja de ser sorprendente que Torn haya sido grabado por gran cantidad de artistas.
Sin embargo, Natalie Imbruglia quien lo petaría (si me permiten la expresión) con su versión pop del tema en una de las mejores canciones de la década, la cual es fiel reflejo de toda una época.
En una época donde el fútbol femenino se está abriendo paso o al menos está comenzando a tenerse en cuenta por parte de los medios (ya era hora), una delantera proveniente de Tenerife ha comenzado a destacar desde hace algunos temporadas, demostrandose como una de las delanteras a tener en cuenta en el fútbol español. Es María José Pérez.
Natural del barrio de Añaza en Santa Cruz de Tenerife, formando en un equipo como el Añaza, aunque el gran paso lo daría con el Sabadell en 2002 (toda una aventura) con el que vivió una étapa gloriosa: fue campeona de Copa y subcampeona de Liga. En 2005 paso de Sabadell al Estudiantes de Huelva, un equipo potente que llegó a enlazar siete jornadas en el liderato, Luego al Puebla extremeño, con el que llegó a jugar la Copa de la Reina, pero en la final se cruzaron con el Levante. Dos de los entrenadores que más le han marcado fueron Cándido Rosado, en Huelva, y Antonio Contreras, en Puebla.
Pero volvería a Tenerife. El Tacuense le ofreció jugar en Segunda. No dudó. Volvía a casa, con su familia, compaginando el fútbol con otro trabajo. Dos temporadas en las que alcanzaron la promoción de ascenso, pero se quedaron con la miel en los labios (años después el Tacuense ascendería finalmente). Luego llegó la llamada del Charco del Pino, que llegó a convertirse en el tercer equipo del municipio de Granadilla, que llegó a categoría nacional. Tras un periodo nuevamente de tres años en el Tacuense volvió a Granadilla, pero no para jugar en el Charco del Pino, sino para formar parte de la recien creada Unión Deportiva Granadilla.
Formado con jugadoras en su mayoría del Charco del Pino (que hasta hace nada habían disputado el play-off de ascenso a la Primera División), del Tacuense y de la provincia de Las Palmas, el equipo comenzó su andadura, teniendo a Mari Jose como una de sus delanteras más destacadas.
A base de trabajo y goles, el Granadilla consiguió el histórico ascenso a la Primera División del fútbol femenino español en la promoción de ascenso ante el Real Betis. Era el primer equipo canario que alcanzaba tal cosa.
Después llegarían partidos muy bonitos en la Primera División, muchos y muy buenos goles de Mari Jose (algunos desde el centro del campo como aquel que metió al Athletic de Bilbao en Lezama) e incluso ha sido internacional (10 veces en total).
Jugaría un año en el Levante, pero volvería a su tierra, nuevamente al Granadilla, consiguiendo históricos cuartos puestos por detrás de escuadras con una estructura de fútbol masculino (Atlético de Madrid, Barcelona, ...) y que, por lo tanto, tienen un nivel económico importante, y clasificandose para semifinales de Copa.
Mari Jose sigue siendo una delanteras insignias del club, bien acompañadas por otras (Cristina Martín-Prieto), pero todo va más allá de la competición o de meter muchos o menos goles, lo importante de jugadoras como ella es su pasión por el fútbol y todo lo que disfruta cada vez que juega.
Es curioso, pero el Carnaval tiene fechas distintas cada año. Las más tempraneras serían a finales de Enero y las más tardías a principios de Marzo. Cabe resaltar que, aunque las carnestolendas no tienen ningún punto religioso, dependen mucho de la religión cristiana. El Carnaval depende de la cuaresma, que, por ende, cambía cada año en función del año liturgico. El último día de Carnaval propiamente dicho sería el Miércoles de ceniza (aunque la fiesta como tal dure hasta el Domingo) donde se impone la ceniza durante la misa de tal día como recordatorio de que somos hombres y, por lo tanto, mortales, haciendo referencia a aquello que dice el mismisimo Dios a Adán cuando lo va a expulsar del Paraíso (junto a Eva): "Polvo eres y al polvo volveras".
Las fechas de la Cuaresma (y por lo tanto las del Carnaval) están relacionadas con el ciclo lunar y acomodan los días para que el
Jueves Santo SIEMPRE sea luna llena, pero... ¿a qué se debe tal cosa? ¿por qué es tan importante que el Jueves Santo sea luna llena?
Se cuenta que la noche en la que los judíos salieron de
Egipto, había luna llena y tal cosa les permitió prescindir de las lámparas
para que no les descubrieran los soldados del faraón. Este enorme
acontecimiento es muy importante para el pueblo judío y lo celebran mediante la pascua judía, que siempre concuerda
con una noche de luna llena. Los judíos, de acuerdo a la Ley, deben renovar cada año esta celebración el día 15 del mes de Nisán (primer mes del calendario hebreo bíblico), que comienza con la primera luna nueva de primavera: el primer plenilunio de primavera, independientemente del día de la semana que toque. De esa manera, la Iglesia asegura que el Jueves Santo, era una noche de luna llena, ya que Jesús celebró la
pascua judía con sus discípulos en la que conocemos como Última Cena.
Así, la culpa de que el Jueves Santo sea en tal día, de que la Cuaresma tenga lugar en un momento determinado y que el Carnaval se celebre más pronto o más tarde... es de la luna.
"Ello, ese extraño magnetismo que atrae a ambos sexos... Descaradamente, con autoconfianza, indiferente al efecto que produce"
Elinor Glyn
"It girl": dicese de una joven que posee la cualidad "It" ("eso"), la atracción absoluta tanto desde un punto de vista físico como intelectual. Todo vino a raiz de la película protagonizada por una extraordinaria estrella de cine mudo que encandiló a todo el mundo. Era ella; La atractiva Clara Bow y su magnífica actuación en It aquel año de 1927 lo que hizo que muchos perdieran la cabeza. Una película que hasta los años 60 se creía perdida, pero que se rescató del olvido y con ella a Clara; aquella Clara.
Clara Gordon Bow, arquetipo de las flappers en los locos años 20, lo tenía todo para triunfar; una cara bonita y que no actuaba nada mal y todo a pesar de las circunstancias familiares. Su era una prostituta ocasional que sufría epilepsia y que hasta su muerte (en 1923) se negaba a que su hija fue actriz, llegando a amenazarla de muerte.
Su padre no era mejor. Robert Bow, un ser violento y matratador (tanto de su mujer como de su hija a la que se dice llegó a violar cuando ésta tenía 15 años) estaba ausente la mayoría de las veces. Su madre falleció cuando en 1923 cuando Clara despuntaba en el cine y su padre afortunadamente desapareció sin dejar rastro.
Si no han visto pocas películas de Clara Bow, no les culpó. De las 57 obras filmicas que rodó, 20 están perdidas, la gran mayoría mudas, siendo su primer trabajo importante en "Días de Colegial", que la convirtió en una extrella, sex-symbol de su época (aunque creo que dicho término no existía todavía). En 1927, Bow protagonizó "Alas, la cual ganó el primer Oscar a la Mejor Película de la historia.
Más tarde, ya en el cine sonoro, Bow mantuvo un discreto éxito que nunca igualó sus películas mudas, aunque ese no fue precisamente su mayor problema.
Clara Bow y Gary Cooper
Clara Bow, queriendo o sin quererlo, se ganó una reputación que las mentes maledicentes calificaron de "devorahombres", encontrandose entre sus amantes (confirmados o no) Gilbert Roland, con el que llegaría a salir al mismo tiempo que con el director Victor Fleming (cuando rodaba la película dirigida por éste, "Flor de Capricho"), su compañero de reparto en "Alás", Gary Cooper, John Wayne y Béla Lugosi entre otros.
Por otro lado, sus problemas con el alcohol y las drogas
le hicieron perder popularidad entre sus compañeros, quejandose de la falta de profundidad de sus personajes, ya que el estudio lo que quería era la cara bonita de Clara Bow y poco más. La Paramount se comportó horriblemente con ella, algo que la desestabilizó aún más: cancelaron sus películas y le reclamaron el dinero de los vestidos que
se quedaba de los rodajes, algo que no hacían otras estrellas. En su contrato le incluyeron lo que se conoció como una "cláusula de moralidad": le daban un
plus de 500.000 dólares (¡una barbaridad para la época!) si "se portaba como una dama en público y
procuraba no salir en los tabloides".
La vida posterior de Clara fue extraordinariamente solitaria y triste, olvidandose la gente practicamente de ella. No fue la única (y más viniendo del cine mudo), pero tanto desde la industria como el propio público se fue partícularmente cruel con una mujer, que ni en su juventud, ni en la edad adulta había encontrado Amor.
Diagnosticada' de esquizofrenia en 1949, nuestra querida It falleció de un ataque al corazón el 27 de Septiembre de 1965 por un ataque al corazón. Fallecía una de las grandes actrices de los locos años 20; Nuestra querida It Girl.
Este libro muchas veces referenciado es uno de los clásicos de la literatura inglesa, destacando por ser una satira, lo que no deja de ser un trabajo ingente del escritor y clérigo irlandés Jonathan Swift, usando el género de aventuras o más concretamente el género de viajes.
La obra se divide en Primera Parte (viaje a Liliput), Segunda Parte (viaje a Brobdingnag), Tercera Parte (viaje a Laputa) y Cuarta Parte (viaje al país de los Houyhnhnms).
Primera Parte (viaje a Liliput): En este viaje, Gulliver es enorme y los liliputienses son pequeños. Al inicio los liliputienses parecen amables y bondadosos, pero el lector los ve pronto por unas criaturas ridículas y mezquinas. El propio Gulliver es declarado culpable de traición, a pesar de haberlos ayudado en su batalla contra un Estado rival, y, antes de ser ejecutado, huye hacía Inglaterra. Probablemente, el viaje a Liliput sea la parte más conocida de la novela y, de hecho, en clara referencia a ella, existe la palabra liliputiense, el cual es un adjetivo que significa "que es extraordinariamente pequeño" (tanto para una persona como para una cosa).
Segunda Parte (viaje a Brobdingnag): A diferencia de Liliput, Brobdingnag es una tierra de gigantes donde Gulliver es muy pequeño. El autor tiene miedo, pero la familia que lo encontró es sorprendentemente amable, pero su dueño se pervierte y comienza a tratarlo como un animal al que mostrar a cambio de un beneficio económico. Sólo la hija de éste (a la que llama Glumdalclitch) cuida de él durante todo el viaje, tratandolo con cariño. Finalmente entra al servicio del Rey, siendo humillado por éste cuando se le hace ver la diferencia entre cómo es Inglaterra y cómo debería ser. Gulliver se da cuenta de lo repugnantemente pretencioso que debe haber parecido a los liliputienses y sólo la casualidad le hace volver a su país.
Tercera Parte (viaje a Laputa): Aparte de Laputa, visita los terrenos vecinos de Luggnagg y Glubdugdribb. En Laputa, la isla voladora, las personas piensan demasiado hasta caer en el ridiculo (en la Gran Academia de Lagado, por ejemplo, piensan como extraer rayos de sol de pepinos o aprender cómo mezclar pintura por el olfato entre muchas otras cosas). En una visita a la isla de Glubdugdribb, el autor puede llamar a los muertos, descubriendo los engaños de la historia. Por otra parte, conoce a los Stuldbrugs, una raza donde algunos han podido alcanzar la inmortalidad (aunque son inservibles a partir de los ochenta años, edad a partir de la cual se les declara muertos), descubriendo que son unos miserables. Tras pasar por el Japón, vuelve a su hogar.
Cuarta Parte (viaje al país de los Houyhnhnms): Vuelve otra vez a la mar y después de diversas visicitudes, llega al país de los Houyhnhnms, los cuales son caballos dotados de razón. Su sociedad racional, limpia y simple se contrasta con la inmundicia y la brutalidad de los yahoos, bestias en forma humana, que desde un primer momento repugnan al propio Gulliver. El autor reconoce los vicios de la raza humana, tras relatarle a su amo (aquel que lo encontró) todas y cada una de las cuestiones humanas, tanto en la política (referencia a las guerras) como en la sociedad. Gulliver se queda con los houyhnhnms varios años, quedando completamente enamorado de ellos hasta el punto de que no quiere irse. Cuando le dicen que ha llegado el momento de abandonar la isla (debido a que no ven con buenos ojos que un houyhnhnms tenga a un yahoo en su casa, viviendo como él), Gulliver se desmaya del dolor. Al regresar a Inglaterra, Gulliver se siente disgustado con otros humanos (a los que llama yahoos), incluida su propia familia.
Historia curiosa la de Swift, que es realmente desesperanzadora sobre la raza humana (a diferencia del Robinson Crusoe de Daniel Defoe), pudiendose destacar las desgracias de Gulliver cada vez más perversas a la hora de llegar a uno de esos países aparentemente imposibles (primero sufre un naufragio, posteriormente lo abandonan, luego lo atacan desconocidos y finalmente se amotina su propia tripulación), por no hablar de que su actitud, la cual se endurece aún más si cabe con la raza humana hasta el punto de que llega a despreciarla por su inherente corrupción o las diferencias que provocan las guerras.
Debio ser un boom en la época. ¿Un mito azulgrana como Pepe Samitier al Madrid (sin título de Real)? Parecía impensable hacía tiempo, pero ese año de 1932 lo que parecía imposible, se llevó a cabo y todo por las gestiones de don Santiago Bernabéu, entonces Secretario Técnico y que era buen amigo de Sami.
Para los que no han oído hablar de Samitier (porque gente que lo vio jugar ya quedaran más bien pocas o ninguna), éste era un jugador formidable con una capacidad para controlar y pasar el balón sublime hasta el punto de que lo llamaran el mago y eso por no hablar de su gran habilidad con el balón, por lo que se ganó el apodo del hombre langosta. Aparte de eso, llegaba con notable facilidad a zona de remate. Por otro lado, era gran amigo de todos, incluso de adversarios (deportivamente hablando) como el propio Bernabéu o Ricardo Zamora con el que había jugado también en el Barcelona (hasta que el club azulgrana le hizo el vació al divino) y en la Selección.
El Madrid jugaba el 6 de Enero de 1933 el partido de Liga cobra el Barcelona. Samitier, que había pasado ya la treintena y empezaba a tener detractores dentro de la directiva, había recibido miserablemente el 28 de Diciembre una comunicación oficial por la que se le anunciaba que el club deseaba prescindir de él y le autorizaba a irse a cualquier otro equipo, sin restricciones. Otros también recibieron dicha comunicación, pero lo que no se entendía es que como un mito del club e internacional español se le dejaba ir por la puerta de atrás, pudiendo ser fichado por cualquiera. Por supuesto, no iba a jugar el partido contra los blancos. El Barcelona había tenido una mala temporada anterior, en la que le echó de la Copa el Betis con un rotundo 4-0, mientras en Liga acabó cuarto. El equipo catalán era un club aparentemente viejo y literalmente quería deshacerse de jugadores y uno de ellos era Samitier, que ante su edad y la posibilidad de que nadie quisiera contratarle, pensaba incluso en la retirada.
Zamora y Samitier
Don Santiago, que lo ve alicaído, lo considera aún aprovechable y habla con él en Barcelona, preguntandole si quiere fichar por el Madrid y Samitier le dice que sí. El dia 5 firmó la baja y el 7 ya estaba en Madrid para firmar su fichaje por los blancos. Desde el club catalán se quiso hablar de traición, pero lo cierto es que Sami podía hacer lo que le diera la gana.
Ya era mayor, pero el club blanco supo aprovechar sus cualidades. En su primer partido con el Madrid en la jornada 12 metió el segundo de la victoria por 2-0 en Chamartín contra el Alavés, pero su revancha partícular la tuvo en la jornada 15 conra el Barcelona con una victoria 2-1 donde metió los dos goles. El Madrid acabó ganando su segunda Liga seguida.
En la segunda (y ultima) temporada con los blancos apenás jugo en Liga (3 partidos). No fue así en la Copa donde jugó una cantidad importante de encuentros, entre ellos una complicada final ante el Valencia, que se le puso cuesta arriba y que remontó gracias a un fantástico Samitier, que si bien no marcó (a punto estuvo con un balón que sorteó al portero y parecía colarse... pero dió en el palo), dió las asistencias de los dos goles, que supusieron el 2-1 final. Ese fue su último partido de blanco.
Ya en los 40, tras su paso por Francia, volvería a España y, de hecho, entrenó al Barcelona (ganando una Liga) y siendo posteriormente su secretario técnico, siendo el responsable de la contratación de Kubala. Sin embargo, de poco sirvió porque en 1960 volvió a ser echado de mala manera (si es que hay otra forma). ¿Y saben quién volvió a contratarlo para hacer exactamente lo que hacía en Barcelona? Pues el mismisimo Bernabéu, que ya desde 1943 era el Presidente del Real Madrid, aunque con la diferencia de que el club blanco acababa de ganar su quinta Copa de Europa seguida.
A pesar de todo lo que se ha contado (sobre todo durante el Siglo XX) el color característico del antiguo Reino de Castilla no era el morado, sino el rojo carmesi. Fruto del error, la recien instaurada Segunda República cogió el morado para la banda inferior de su bandera (rojo, amarillo y morado), pero lo cierto es que ni los más eruditos sacaron de ese error histórico a los que se les ocurrió tal cosa.
Antes de nada conviene decir que cuando se habla de "pendón" o "bandera" de Castilla (en singular) también estamos ante un error. Hubo banderas y pendones diferentes, que combinaban más o menos los elementos característicos del Reino castellano, que eran el león (en referencia al Reino de León) y el castillo (que muchas veces aparecía solo). Más concretamente, el castillo sobre fondo rojo (o carmesí) ha figurado en algunas enseñas de la Corona de Castilla, así como para las banderas de las comunidades autónomas de Castilla-La Mancha y de Madrid. Por otro lado, Castilla-León mantuvo la histórica bandera con ambos elementos: León y Castillo.
Extrañas confusiones derivadas del Siglo XIX llevaron a algunos a asociar el morado como el color de Castilla. Hay varías hipótesis que pueden motivar el origen de dicha confusión. Mi favorita es por la relación cromática entre el
color púrpura y el rojo carmesí. Con el transcurso del tiempo, muchos paños castellanos, que
originalmente eran de color carmesí, se fueron desgastando, pudiendo
haberse confundido con otras tonalidades como el morado.
La confusión morado-carmesi llevó a pensar que los comuneros llevaban como enseña el morado en uno de los pendones castellanos durante la Guerra de las Comunidades de Castilla contra el Rey Carlos I entre 1520 y 1521. Lo cierto es que no sólo no fue así, sino que ese error histórico afectó a la bandera de la Segunda República.
Año 1994. La banda de pot-rock estadounidense No Doubt ya era muy reconocida. Ya pensando en si siguiente trabajo musical, Gwen Stefani, la vocalista del grupo, escuchó a su hermano, con quien vivía junto a sus compañeros de banda, tocar una melodía en su piano. Y le pareció el perfecto comienzo para una canción romántica.
Pensando en su larga relación amorosa con el bajista de su propia banda, Tony Kanal, Gwen Stefani escribió las primeras estrofas de lo que sería una narración de amor. "Puedo verlo todo en un abrir y cerrar de ojos, Sé todo sobre cómo eres. Puedo entender exactamente cómo piensas, entre tú y yo no hay distancia". Canción bonita, aunque algo inusual para un grupo como No Doubt, aunque ellos estaban dispuestos a experimentar. Todo continuó su curso con la producción de la canción, excepto la relación entre los protagonistas: Gwen Stefani y Tony Kanal, quienes, contrarios a todo lo esperado, habían comenzado a tener muchos problemas.
Un día, tras pelease, la vocalista decidió cambiar la letra de la canción. "“Fui con mi hermano Eric al garaje. Muy irritada por la situación, me senté con él a reescribir todos los versos", explicó Gwen a "The Independent". La letra: "Tú y yo, solíamos estar juntos, todo el día juntos, siempre. De verdad siento que perdí a mi mejor amigo, no puedo creer que este es el final"..La decisión sobre la letra fue discutida en el grupo. "Cuando rompi con Gwen, la canción cambió y se trató solo de eso. Porque era demasiado real, y lo estábamos viviendo. El tema que escuchas ahora es probablemente la cuarta versión que hicimos" comentaba Kanal.
Gwen y Kanal
Con el cambio de letra y el cambio de sentimientos, No Doubt tuvo que volver a armar la canción casi desde cero. La idea original fue la base, pero luego de reescribirla un par de veces, reestructurarla otro par y sumarle o quitarle arreglos, y haberla grabado al menos en cuatro ocasiones diferentes, nació defintivamente "Don’t speak".En 1996, No Doubt lanzó su segundo álbum de estudio "Tragic Kingdom", resaltando muy especialmente el tema en cuestión. Por supuesto que la historia del origen de supo y a cada momento recibían preguntas los miembros del grupo sobre esto.
"Fue un desafío para los dos. La parte más difícil de eso fue tener un récord masivo que vendió 15 millones de copias en todo el mundo, viajar y tener que contestar en diferentes países preguntas sobre el tema. Eso volvería loco a cualquiera. El hecho de que hayamos superado todo eso es un verdadero testimonio de nuestra amistad, y también de lo que significa No Doubt para nosotros. No dejamos que nos separara como banda, seguimos adelante y nos hizo más fuertes", contó Tony Kanal a "Complex".
Nominada a dos premios Grammy, la canción terminó siendo uno de sus temas más reconocidos y el más exitoso a nivel internacional, llegando a estar hasta 16 semanas consecutivas en el puesto número uno de los Billboard, batiendo todos los records. Tanto la grabación del tema como la del videoclip sirvieron como terapia de pareja y grupal, incluso para limar asperezas y continuar su camino. Así "Don't Speak" pasó de ser una canción de Amor a Desamor. Lo curioso es que, a pesar de todo (las controversías y demás), para No Doubt fue mejor que fuera así.
